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1. pittura ad acquerello

gli strumenti

Per la pittura ad acquerello occorrono una tavoletta in legno su cui fissare il foglio di carta ai bordi con nastro removibile, una tavolozza in plastica, pennelli di martora di tre dimensioni: fine, medio, grande. Contenitori per l'acqua. Spugna, straccetto o carta assorbente per inumidire il foglio o donare effetti particolari.
 

SUPPORTO: la carta

Ci sono vari tipi di carta per acquerello a diversa grana e grammatura. Un consiglio utile durante la sperimentazione di questa tecnica è di provarne diverse per capire i vari effetti che vi si possono ottenere.

Per questa tecnica è inevitabile l'uso di tanta acqua e quindi facile che il foglio lasciato libero imbevendosi tenda ad ondularsi. Quindi è bene tendere il foglio su di un asse di legno e fissarlo con nastro adesivo lungo i bordi.

Si bagna abbondantemente il foglio con la spugna, poi con il rotolo di carta gommata si fissa saldamente il foglio su tutti i lati, una volta asciutta la carta risulterà ben tirata, a quel punto si può dipingere senza paura che si formino pieghe indesiderate.

 

STILE: il tipo di pennellata

Applicazione del colore sulla superficie del supporto:   

Il colore per acquerello è composto da pigmenti mescolati a gomma arabica che sono solubili in acqua,  e vengono stesi con rapidi colpi di pennello morbido. Tra una stesura e l'altra i colori asciugano rapidamente. Sovrapponendo strati di colore sul foglio ancora bagnato si ottengono toni delicati e trasparenti, con effetti di freschezza e vivacità. Il colore si schiarisce con acqua e non con il bianco, come per le tempere.

L'acquerello si trova in commercio sia in pasticca solida che in tubetto, mentre la prima soluzione è più adatta per piccole illustrazioni grafiche, il tubetto è più adatto ad un uso artistico.

Una volta preparata la superficie, si procede stendendo il colore con un pennello grande che andrà a definire lo sfondo e le campiture più estese. Il colore va tenuto più o meno liquido, o vanno ripetute varie stesure, se si vogliono ottenere parti più scure. Infatti è bene per la prima mano rimanere su un tono chiaro, in modo da ricavare prima le parti chiare e poi ripassare più volte, per ottenere i toni più scuri. Quindi con un pennello medio si vanno a costruire parti del dipinto più piccole e col pennello fine i minimi particolari. Quando il colore in certe zone è troppo abbondante o si vogliono ottenere particolari effetti si può utilizzare uno straccetto come tampone, o un pennello asciutto. Se non siamo contenti del risultato o vogliamo creare un effetto più sfumato possiamo lavare il dipinto e alleggerirlo con una spugna, dopodiché si attende che asciughi e si continua il lavoro.

Un ulteriore effetto si può ottenere sul pigmento asciutto, grattando la parte da trattare o con una limetta o carta vetrata a grana fine, per creare sfumature lumeggiate. L'effetto cambia a seconda della grana del foglio di carta del supporto.
 

V. Kandinshij. L'astrattismo libera la linea, libera il colore, i segni sono simboli liberati dalla psiche. Si può constatare come in questo dipinto ad acquerello il colore viva libero in questi guazzi a macchie che si svincolano come segni circolari o zigzaganti.

Il segno, a colore nero, il segno a colore giallo o rosso, campiture estese di colore, una sorta di scarabocchio elaborato di getto, una pittura che viene dall'istinto.

COLORE: i pigmenti e la tavolozza

La tavolozza. E' composta da un supporto in plastica bianco, ce ne sono in commercio costituite con divisori a vaschetta da un lato, dove versare il colore puro, e una parte centrale adatta alla mescolanza. Per mischiare i colori sulla tavolozza serve un pennello. Quindi si procede mettendo col tubetto di ogni colore un po' del medesimo iniziando dai colori chiari fino a quelli scuri nell'ordine:  giallo, ocra, lacca, rosso, blu, terra. Questo perché così si crea una visione unica di tutto quello che si può avere a disposizione. Di colori ne servono pochi, gli altri si possono formare con le mescolanze: giallo primario, rosso carminio, blu primario; già basterebbero, ma se ne possono aggiungere altri 3 che sono: terra di Siena bruciata, ocra gialla chiara e la lacca di garanza rosa. Ora i primi 3 sono fondamentali, l'ocra e la terra sono un di più utili soprattutto per ottenere un colore scuro corposo e pastoso dove occorre molta massa, quindi più colori ci sono a formarla e più viene sodo. I colori vanno diluiti con acqua in grande quantità, naturalmente per una pittura di particolare si usa meno acqua. La tavolozza va tenuta a fianco del piano di lavoro.

Le mescolanze:

Seguendo questi pratici consigli, da pochi colori base si possono ottenere tutti gli altri.

Teniamo presente che per una pittura ad acquerello classico, occorre moderare l'uso di acqua dopo che si sono definite le masse di fondo. In seguito bisogna attendere, sempre che non si vogliano ottenere particolari sfumature od effetti, che ogni mano stesa asciughi prima di procedere a definire i particolari del soggetto.  

Al contrario per l'acquerello astratto bisogna essere guidati dal proprio istinto, occorre costruire la scena a partire dal colore, capire come il colore vuole essere steso e il sentimento che l'artista vuole esprimere. Il tratto, la sua modulazione seguirà il suo moto interiore.

In entrambi i casi, sia nella pittura formale che informale, quello che conta non è dosare il colore con l'intelletto, ma capire come il colore viva nel nostro mondo.

 LEGANTI: l’acqua

L'ATMOSFERA: lo sfondo, gli effetti animici

Qualsiasi dipinto per essere considerato un'opera d'arte deve far trasparire nel colore vita, morte, anima e spirito come sono e vivono nel mondo. Quindi se da pittori seguiamo quello che il colore ci infonde, riusciamo anche a capire come esso vuole essere steso sulla superficie. Le velature finali, sono pigmenti molto diluiti in acqua che a seconda della loro colorazione donano un carattere, un effetto che caratterizza la loro animicità, la loro vitalità, o spiritualità, sul soggetto.

Che il soggetto appartenga al mondo vegetale, animale, umano o minerale, questo si deve capire dal colore e dalla direzione del tratto in cui esso viene steso.

Ricreare una sorta di bruma biancastra all'orizzonte, e poi andandovi a velare con del giallo sottile, dona al dipinto un'intensa spiritualità.

Dare al cielo azzurro una velatura rossastra crea dinamicità e un forte carattere animico.

L'assenza di queste velature crea la morte del dipinto, come se la natura fosse rappresentata oggettivamente nella sola corporeità, senza trascenderla nello spirituale.

a cura di A. Delvecchio