Da
Cartesio in poi, la coscienza è stata considerata il carattere che
distingue i fenomeni dello spirito dalle altre manifestazioni dell'esistenza
umana; prima, come sappiamo, vita spirituale e coscienza si confondevano.
Alla
vita della coscienza e alla sua evoluzione erano assegnati come elementi
principali l'intelletto e la volontà. Ancora
oggi siamo, il più delle volte, convinti che le cose sono rimaste press'a
poco così.
Negli
ultimi anni Freud, Jung
e Adler ci hanno proposto una rappresentazione
diversa, secondo cui ci sarebbero delle domande ben differenti dalle facoltà
razionali d'intelletto e di volontà.
In
tal modo la psicologia del profondo faceva cadere dal loro piedistallo sia l'immagine
dell'uomo regale modellato dal Rinascimento, sia l'idolo dell'uomo razionale
dell'Illuminismo. Oggi non si è lontani dal
condividere l'opinione, anche se un po’ esagerata di Lacretelle,
il quale, nella prefazione alla traduzione francese di Emily
Bronté, afferma che "Ogni
essere umano è un pazzo
che sta all'erta ".
Tutti,
per esempio, siamo diventati più diffidenti e scettici di fronte alle
manifestazioni psichiche di ogni specie. Certe
forme di pietà, di pretesa santità, di umiltà e di dedizione, una volta
oggetto di ammirazione, sono accolte con riserva e diffidenza.
Soprattutto
è il quadro psicologico dell'uomo dipinto
dalla letteratura contemporanea che ha posto il sigillo di queste nuove
concezioni. Ed è questo tipo di letteratura che ha contribuito soprattutto
a volgarizzare la nuova concezione dell'uomo. In questo caso siamo ben
lontani dalle trasparenti e ordinate passioni di Racine.
Il
"Fatum"
delle tragedie antiche (potenza misteriosa e tragica che guidava l'uomo
dall'esterno) è divenuta una forza interiore dell'individuo.
Ma
ora, per ciò che a noi interessa, non ci rimane che esaminare come è nata
la dottrina dell'inconscio e di come la sua conoscenza è vitale nella vita
di un artista.
La
nozione dell'inconscio era molto nota e alla
filosofia e alla letteratura. Carus
contemporaneo e amico di Goethe affermava che
la chiave della "Psiche "
deve essere cercata nell'inconscio.
Questa
constatazione suggerì a Charcot
e più tardi a Janet,
suo allievo, l'idea della doppia coscienza e della dissociazione della
personalità.
La
teoria sullo sdoppiamento della personalità sta alla base della concezione
delle due zone: il cosciente e I’inconscio. Il risultato è che gli
oggetti di una tendenza sono respinti fuori del campo della coscienza; e così
questi contenuti divengono incoscienti e formano l'altro genere che
chiamiamo inconscio.
L'Artista
non sfugge a queste leggi, anzi, essendo sensibilissimo, avverte il flusso
dell'inconscio sul conscio e lo capta, divulgandolo. In tale condotta,
l'atteggiamento dell'artista consiste nell'escludere il più possibile ogni
controllo riflesso, lasciandosi guidare dal "dettato" dell'inconscio, liberandosi così del
sopravvento del "Sé".
Queste
funzioni provocano l'esteriorizzazione delle emozioni che lo avevano
assalito, perché le emozioni, costituiscono elementi psichici reali di cui
la personalità cosciente e morale dell'artista non sono responsabile, poiché
sono nate in lui conforme alle leggi naturali della fantasia.
Nella
vita sociale ordinaria, l'artista, di fronte a questi contenuti assume un
atteggiamento di controllo e di dominio, ma solo dopo aver completato
l'opera, facendo astrazione dalle intenzioni personali; si tratta quindi di
una condotta di carattere tecnico, ossia di un trattamento dell'artista.
Egli in primo luogo deve fare qualcosa che riguarda la sua personalità, e
cioè deve allentare i freni e lasciar produrre una scarica liberatrice di
vari sentimenti; sentimenti esistenti in lui. Questa scarica tecnicamente
organizzata, in cui le emozioni subiscono vari cambiamenti conforme alle
leggi naturali, provoca in lui atteggiamenti molto sentiti e quindi
costituisce un processo che esteriorizza il suo sentire emozionale. Tale
processo comporta nell'artista la reviviscenza di certi atteggiamenti del "Fanciullino ". Un trattamento che costituisce formalmente
un'auto-catarsi, può consistere in un'espressione di avversione o di amore
verso la sua opera. Tale processo tuttavia non ha potuto svolgersi che in
seguito al fatto che l’ “IO” cosciente, che esercita il controllo
all'inizio dell'opera, ha accettato di ritirarsi in secondo piano.
In
molti artisti che si sentono responsabili delle espressioni dei loro
sentimenti, si manifesta una grande inibizione morale nella reazione
liberatrice. Infatti, la conoscenza sensitiva e la conoscenza intellettuale,
sono importanti e svolgono una parte di primo piano nella condotta
dell'artista e nella sua motivazione. In questo modo nasce in lui "la contraddizione dell’IO e del "SE"' in quanto
viene a trovarsi a descrivere come si manifesta l'ispirazione nelle sue
manifestazioni emozionali: affettive, intellettuali, volitive; deve inoltre
determinare come si manifesta, si caratterizza e si differenzia la
personalità, per l'influenza dell’io profondo. Ossia deve analizzare i
fenomeni organici che sono intimamente legati con tutto il complesso delle
attività psichiche che nella vita reale trovano il loro fondamento.
Questo
fenomeno si realizza soprattutto nel settore della creatività artistica e,
in genere, nel desiderio di avere lo spirito adatto nella "limatura"
dell'opera nata, e provare così godimento. In questo caso l'artista teso da
due forze opposte, l'IO e il SE', perde ogni stabilità psichica. Tale
situazione fa sorgere contraddizioni intime e tensione. E' questo il motivo
per cui la nostra epoca costituisce un terreno fecondo di perturbazioni
psichiche più che in epoche passate.
In
Torquato Tasso troviamo il tipico esempio di manifestazioni contraddittorie
dell'io e del SE' fino alla paranoia e, infine, alla pazzia.
Prendiamo
ad esempio due artisti del Rinascimento italiano Torquato Tasso e Ludovico
Ariosto.
L'opera
che mette in luce la continua contraddizione del Tasso è, senza dubbio, la "Gerusalemme
Liberata", ma preferiamo parlare dei sonetti: "Negli anni acerbi tuoi purpurea rosa" e "Mirar
due meste luci in dentro ascose".
Il
sonetto che meglio traduce il sentimento di Tasso, vivo e reale verso la
natura, il suo istintivo bisogno di confondere l'esistenza individuale con
la vita universale è dedicato e diretto alla duchessa di Urbino, Lucrezia:
"Negli
anni acerbi tuoi purpurea rosa ".
Negli
anni acerbi tuoi purpurea rosa
sembravi
tu, c'ha i rai tepidi, a l'ora
non
apre
‘l sen,
ma nel suo verde ancora
verginella
s’asconde e vergognosa;
O
più tosto parei, che mortai cosa
non
s'assomiglia a te, celeste aurora
che
la campagna imperla e i monti indora
lucida
in del sereno e rugiadosa.
Or
la men verde età nulla a te toglie;
ne
te, benché
negletta, in manto adorno
giovinetta
beltà vince o pareggia.
Così
più vago è 'I fìor poi che le foglie
spiega
odorate, e
‘l sol
nel mezzo giorno
via
più che nel mattin luce fiammeggia.
"
E'
lampante la contraddizione nel paragone che fa della duchessa con due
immagini, una più vaga dell'altra: la rosa e
l'aurora; entrambe indefinite, ma che ritraggono il sentimento del poeta.
La
poesia non ha un contenuto, se lo si volesse ad ogni costo verrebbe ad
annullarsi il fascino che essa emana. Che cosa ha
voluto lodare in Lucrezia il Poeta? Avrebbe voluto dire della modestia di
Lucrezia, della sua bellezza, della superiorità alle altre donne, forse
altro ancora, ma I’ "IO"
ha ceduto alla
superiorità
del "SE’ ", in questo
caso alla razionalità, ma l'opera ha acquistato una tale profondità, una
complessità, e una potenza nella forma simbolica.
Ogni
lettore le può dare un contenuto speciale, perché il poeta è pago della
battaglia sostenuta con l"IO" se riesce a commuovere e dilettare,
per l'arte e la bellezza.
Come
si è potuto notare, tutto ciò rivela un'anima di fanciullo che si commuove
dinanzi alle seduzioni della bellezza. Nella lotta continua fra I'I0" e
il "SE"' freddo,
razionale, estetico e naturale, la poesia di Tasso è un po’ come la rosa
che non si apre al venticello del mattino, ma poesia che quasi si nasconde
vergognosa e non appare nella sua vera luce. In questo caso è l'intelletto
geniale che permette al "SE"'
di guidare l'"IO"
emozionale della creazione dell'opera, freddamente e con distacco, tipico
del Genio.
Nella
varietà dell'immaginazione fantastica del Poeta l'aurora, che gli antichi
avevano fatto dea, dai cui occhi stillavano gocce di rugiada in liquide
perle, lo sospinge a rivedere il sonetto che risulta un po’ modificato:
"Già
solevi parer vermiglia rosa
ch
'a ' raggi, al sospirar de l'ora.
Rinchiude
il grembo e nel suo verde ancora
verginella
s'asconde e vergognosa;
O
mi sembravi pur, che mortal cosa
non
assomiglia a te, celeste aurora
che
le campagne imperla e i monti indora
lucida
in del sereno e rugiadosa.
Ma
nulla a te l'età men fresca or toglie;
ne
beltà giovanile in manto adorno
vince
la tua negletta o la pareggia.
Così
più vago l'odorate foglie
il
fìor dispiega e 'I sol a mezzo il giorno
via
più che nel mattino arde e fiammeggia. "
Notiamo
che le varianti sono pochissime nei confronti della precedente redazione. Ma
soffermiamoci un attimo per mettere in luce e richiamare l'attenzione sul
particolare del secondo verso: "al
sospirar de l'ora" perché si capisca meglio come Torquato ricerchi
le affinità segrete che legano noi alle cose e viceversa.
Ad
esempio, il venticello mattutino innamorato della rosa, desideroso di farle
aprire la corolla; il mormorio che produce il suo passare, è un sospiro di
desiderio.
Notando
queste cose riusciamo a capire perché questo
sonetto non ha trovato traduttori, sebbene sia stimato da molti il sonetto
più perfetto di Tasso e sia, senza dubbio, tra i più belli della nostra
letteratura. A mio avviso è, perché un traduttore non potrebbe mai dare la
certezza di un'arte così fine. Quindi è giusto cedere all'ammirazione, ché
il commentare è sciupare.
Altrove
pur essendo mirabile non raggiunge un equilibrio così perfetto. Prendiamo
l'altro sonetto: "Mirar due meste
luci in dentro ascose" in cui viene messo in risalto il dolore e le
dolcezze segrete della famiglia. Ho detto il dolore, ma occorre aggiungere
subito che la tristezza non penetrò nella lirica di Torquato se non molto
tardi, quando gli affanni avevano lasciato solo l'ombra dell'uomo.
A
me è parso bellissimo il sonetto che il poeta scrisse poco dopo uscito da
S. Anna. E' uno slancio affettuoso e consolatorio all'amico scrittore
Ascanio Mori, per la morte del figlio.
"Mirar
due meste luci m dentro ascose
una
pallida fronte, un corpo esangue,
e
dileguando da le guance il sangue,
gelar
le brine e impallidir le rose:
Padre,
ahi! Padre, sentir voci pietose,
e
questa e quella man fredda com 'angue,
e
la madre languir se 'I figlio langue,
eh
'a pena viva, e di morir propose:
di
morte un volto pien, l'altro di pianto,
de
Immagine sua dolente impresso
e
cader tuo sostegno e tua speranza:
quinci
silenzio e quindi strida in tanto,
per
tutto orrore e duci ch'ogni altro avanza,
Ascanio:
ma tu 'I vinci, anzi tè stesso."
Si
noti come nella lotta conflittuale è raggiunto l'equilibrio tra
l’”IO" creativo e il "SE' " predominante. Salta fuori,
come da un quadro, un'immagine che prende vita, il trapasso lirico
dell'ultima terzina, per il quale l'Autore richiama inaspettatamente
l'attenzione del lettore su quel padre dolente, costretto a vincere con la
forza d'animo i suoi affetti più cari: "Quinci
silenzio e quindi strida in tanto."
Il
Carducci che fu ammiratore e studioso della lirica tassesca, quando scris-se
"Per raccolta in mente di ricca e
bella signora”, si ricordò di questo sonetto ecco perché: "Sparsa
la faccia bianca/de la fuggente vita/con la persona stanca/abbandonarsi a
l'ultima partita..."
Il
sonetto di Torquato Tasso, però, è una pittura che riproduce tanti momenti
principali: ogni quartina e ogni terzina esprime una parte del fatto. Nella
prima quartina si ha la visione di un fanciullo moribondo, che porta
evidenti le tracce della malattia e della sofferenza: due luci in dentro ascose, (gli occhi, fatti per la luce e che ora
ne rifuggono, segno del ritrarsi della vita), la fronte e le guance gelate e
pallide, il corpo esangue: si ha un'immagine muta, ma già nel suo mutismo,
straziante. Subito, quasi scaturisse dall'aria, l'immagine muta, si anima:
il fanciullo articola una parola, invoca il padre: il padre non può
rispondergli e consolarlo, impedito dalla commozione, gli accarezza una dopo
l'altra le mani, le sente di ghiaccio, prova come un senso di ribrezzo e una
emozione più violenta. E com'è vigoroso e pieno di verità il ritratto di
quella madre, che langue con il figlio. E quante cose dice l'ottavo verso: "Di morir propose”. Questo verso insuperabile ha la virtù di
allontanare e di spiegare meglio l’ "a pena
viva" ; e si tenga presente che quel passato remoto non accenna
tanto alla durata della malattia, quanto all'impressione che ne riporta la
madre, per la quale ogni momento di sofferenza del figlio è un'eternità.
Nel
primo sonetto la contraddizione, come ho detto, è lampante. Nel secondo la
contraddizione e nel venir meno della coscienza, per l'eccesso dolore. Ma è
diversa contraddizione: lì è il "SE"' che guida l'opera
dell'"IO" creativo, qui è l' "IO" creativo che pur
lasciando pochissimo spazio al "SE' " è in perfetto equilibrio
artistico con i fatti della vita e la creatività inconscia: questa madre
che assiste all'agonia del proprio figlio e che s'imprime anch'essa, nel
viso, i segni della morte: l'unico indizio di vita è il pianto. I genitori
personificano entrambi un dolore disperato che, nell'una ha un'espressione
più appariscente, nell'altro, il padre, è racchiuso violentemente e
compresso, lasciando la manifestazione nelle rigide linee del volto.
Ludovico
Ariosto, meno introverso di Tasso, più filosofico, non meno erudito di
Torquato capta la preponderanza, la superiorità dell'"IO" ed
ironizza freddamente su questa superiorità fino a palesarne la pazzia con
razionalità geniale. Ha capito che la contraddizione è naturale
nell'individuo e "iper" nell'artista, custode geloso delle proprie
(oggi le chiamiamo precognizioni) capacità intuitive, precorritrici del
tempo e ci gioca; non lotta, lascia che l"'IO" guidi il
"SE"'. Per questo nell'Orlando
Furioso abbiamo l'inarrivabile
perfezione dell'ottava, la vivacità della narrazione e della descrizione,
ma anche gravi sconcezze disseminate qua e là; il risalto dei caratteri in
tanta varietà di episodi, ma anche l'esagerato groviglio degli episodi
secondari che intralcia l'ordinato procedere dei fatti principali:
l'elevatezza e spontaneità dei precetti morali, che sono bellamente
insinuati e la deficienza di sentimenti
profondi che suscitano entusiasmo, ma anche la purezza, la proprietà,
l'eleganza della lingua. In poche parole, pregi e difetti che
scaturiscono appunto dalla continua contraddizione dell'"IO"
e del "SE"'. L'Arte di ingrandire i
pregi di un eroe immaginando che, lui assente, i suoi siano sempre battuti,
è molto abilmente maneggiato dall'Ariosto.
Nell'Orlando
Furioso vi sono almeno sei persone di questa importanza: Orlando,
Bradamante e Rinaldo, Rodomonte, Marfisa e Matricardo.
Nel
tratteggiare i suoi personaggi, Ariosto ebbe più fantasia romanzesca di
tutti quelli che scrissero prima di lui; ma le sue esagerazioni della natura
umana conservano l'eroica dignità, tanto vigore e tanta coerenza proprio
perché è riuscito ad equilibrare il conflitto, al punto che, ci fa credere
e ci costringe a credere veramente possibili le esagerazioni che narra, come
se noi stessi avessimo vissuto, nei suoi stessi slanci creativi, le gesta
dei personaggi.
Prendiamo
ad esempio il canto XLI. Bradamante espone le proprie istruzioni con candore
immenso, con sentimento e con dignità. Agramante risponde:
"Tenerità
per certo e pazzia vera
E'
la tua, e di qualunque che si posa
a
consigliar mai cosa buona o ria
ove
chiamato a consigliar non sia,
Si
noti come Carlomagno conserva quella semplicità che gli è attribuita negli
altri poemi romanzeschi, ma che è sempre sovrano di una nazione di eroi.
Ch
'io vinca o perda, o debba nel mio regno
tornare
antiquo, o sempre stame in bando,
in
mente sua n 'ha fatto Dio disegno
il
qual ne io, ne tu, ne vede Orlando.
Sia
quel che vuoi; non potrà ad atto indegno
di
re inchinarmi mai timor nefando:
l'io
fossi certo di morir, vò morto
prima
restar, che al sangue mio far torto.
Or
ti puoi ritornar; che se migliore
non
sei dimani in questo campo armato,
che
tu mi sia paruto oggi oratore,
mal
troverassi Orlando accompagnato.
Ariosto
ha ampliato il capitolo primitivo dei caratteri fantastici, molto di più
che gli altri non fecero; e fa scaturire dall'equilibrio conflittuale la
maestria del dipingere, con colori scoperti dalla sua esperienza, dalle
passioni, e dalle inclinazioni della natura umana, in tutte le condizioni
sociali. Forse fu avvantaggiato dalla sua amabile sapienza e pratica di
indole filosofica, ciò non toglie all'arte, ma da; e da con genuinità che
può apparire tale solo perché inaccettabile, da noi piccoli scettici del
XXI secolo, una conoscenza così profonda della psiche. Tutti i sentimenti,
i teneri e i forti, le effusioni del cuore e le escogitazioni
dell'intelletto, i ragionamenti d'amore, le rappresentazioni di battaglie e
Ì motti della comicità, sono tutti abbassati dall'ironia e nello stesso
tempo elevati in lei. Sopra la caduta di tutti si innalza la meraviglia
della musicalità dell'ottava, armonizzata non già dalla forza dell"IO"
creativo soltanto, ma da un equilibrio conflittuale (sola fonte per l'opera
d'Arte maggiore), che riesce a fare dell'ironia l'occhio stesso di Dio che
guarda il muoversi della creazione, amandola alla pari nel bene e nel male.
La
nostra epoca, invece, costituisce anche il bisogno di farsi valere e di
conquistarsi un posto tra gli altri, un periodo di alta tensione. In nessuna
civiltà la competizione tra gli artisti fu così sistematicamente
accennata.
Fin
dai primi anni dell'infanzia, le prestazioni dell'individuo sono misurate e
confrontate con quelle degli altri. Nell'ambito della scuola con gli esami e
le loro esigenze gravose, con la lotta per il raggiungimento di una
situazione a cui moltissimi candidati aspirano. Le facoltà dei giovani sono
tese e sfruttate al massimo; e questa situazione impone all'arte e al vero
artista esigenze superiori. Troppi artisti, pochi i galleristi (molti i
pseudo); gli scrittori non hanno possibilità di pubblicare. Un giovane
promettente genio non trova spiraglio di luce: senza lavoro e senza
quattrini i suoi manoscritti rimangono ad ingiallire nel cassetto. Allora
essi si sentono impotenti a rispondere alle esigenze imposte dalla vita
sociale e scoppia il conflitto tra l'impotenza da loro sentita e la spinta
istintiva ad affermarsi ad ogni costo. Questo conflitto genera spesso uno
scompiglio psichico. Uno scompiglio psichico a cui assistiamo, o meglio
leggiamo tra le righe delle opere che pervengono ai vari premi letterari.
Per fortuna tra le tante c'è ancora l'opera contraddittoria per eccellenza.
Ma di questo parleremo più avanti, ora ciò che ci riguarda è il conflitto
dell'impotenza a farsi valere.
Ci
capita, molto spesso, nei circoli letterari, nei cenacoli dove abitualmente
ci si incontra che, mentre un relatore sta esponendo la sua tesi, ci si
saluta ad alta voce, senza attendere che il relatore finisca la sua
esposizione; egli parla, e magari ha impiegato mesi di ricerca per esporre
con più semplicità possibile, le scoperte fatte, mentre gli uditori si
scambiano foglietti e fogliettini, congratulandosi a vicenda per la bellezza
della poesia, che, per loro, è sempre bella.
Ma
che cos'è la bellezza, nella poesia? Un verso impeccabile? Una immagine
poetica? Il contenuto sentimentale o sociale? Essi non si soffermano, non si
pongono queste domande; leggono ed esclamano: è bella! Il perché non lo
dicono, come non si curano di ciò che dice l'oratore.
Detto
questo, possiamo affermare che, anche nella vita privata, l'artista vive in
continua contraddizione.
L’erudizione
affina l'intelletto al pensiero, ingentilisce lo spirito, ma per (i più)
coloro che oggi scrivono di tutto, leggere gli altri è un errore perché
potrebbero (affermano) inconsciamente scrivere cose che gli altri hanno già
scritto, e magari, poi, scrivono "II
passero solitario" in dialetto; non sanno che tutto ciò che si
scrive è stato già scritto, ciò che differenzia uno scrittore dall'altro
è il come si scrive, cioè lo stile. E in questo Carducci ha ragione. Una
contraddizione anche questa, almeno la si dovrebbe ritenere tale, ma la
contraddizione è tutt'altro. La loro è ipocrisia, dovuta non già da
un'anima gentile, ma da una ignoranza congenita; e sono proprio questi
individui che hanno i quattrini e che pubblicano libri su libri, dipingono?
(imbrattano) tele su tele, distruggendo o mettendo in cattiva luce, chi
veramente ha valore.
Ciò
che più conta nel comportamento di questi "pseudo artisti" è il fatto che, come incontrano una
persona che si è messa in luce nell'ambiente, la assillano con le loro "elucubrazioni"
dicendo in quindici parole, venti volte io, con la evidente sfrontatezza di
farsi valere per quello che non sono.
Ma
l’"IO" di cui parliamo è qualche cosa di sublime che si tramuta
in arte pura solo se combatte la sua battaglia col "SE' " che è
esperienza, cultura, erudizione, intelletto, arte del pensare.
Nelle
varie scorribande per l'Italia, per un premio o per l'altro, capita di
trovare queste due cose, ma sono in pochi a possederle. Allora, perché non
invitiamo gli operatori culturali a scegliere le opere con maggiore
obiettività, annullando la settorialità evidente e provincializzante che
oggi impera in quasi tutti i premi letterari, maggiori o minori che siano,
specialmente in quelli "maggiori"
in tutta la Penisola.
L'opera
d'arte salta lampante, parla da sé; non è necessario essere critici per
capire che lo è. Infatti l'opera di Adriana Scarpa "/ bambini
guardano la luna", concorrente per la silloge di poesia inedita,
alla "Talentiade Camugnano 1982", (il premio consisteva nella
pubblicazione dell'opera a spese dell'organizzazione), tutti i componenti la
Giuria ci trovammo d'accordo; come fummo d'accordo nell'assegnare il primo
premio per la poesia singola a "Chatila"
di Marco Gronchi.
Alla
"Talentiade Paduli 1985"
è accaduta la stessa cosa per la poesia singola, per la narrativa e per il
teatro; ma per la dimostrazione di quanto affermiamo occorre fare ancora una
dissertazione sugli artisti "geni",
nel tempo.
Una
contraddizione costante è stato Montale, è stato Quasimodo, è stato
Ungaretti; sono stati in perenne contraddizione Pasolini e Gatto; lo sono
Accrocca, Bevilacqua, Selvaggi, Luzi, Spaziani e gli altri maggiori del
nostro tempo. Ma come si evidenzia la contraddizione?
La
costanza dell'"IO" nel tempo e nello spazio sta ad un lavoro
d'unificazione che si suppone guidi la volontà alla esperienza
dell'universo personale e della perfezione, poiché non è l'idea astratta
di unità che possa frenare la tensione esplosiva alle forze di dislocazione
verso il "SE"', ma ricostruisce, in ogni circostanza i complessi;
e da questo punto di vista, non sono forme di sbandamento, ma, al contrario,
sono ricerche di sintesi, le sole compatibili con le condizioni date, dice Miguard. Quindi, l"'IO" sta all'impulso dell'istinto,
come la volontà sta alla coesione che si appoggia alla completezza
personale dell'integrazione, che è varia negli individui.
Qualunque
sia l'aiuto che la costanza, la volontà e la coerenza personali ricevono da
una disposizione innata, esse sono anche il prodotto progressivamente
maturato dell'impegno. Sotto questo aspetto Freud
aveva ragione di cercare la forza di coesione dell'"IO" in un
super"'IO" che per la sua posizione abbia autorità sulla
dispersione della coscienza.
Esempio:
ho iniziato a scrivere in versi all'età di cinque anni; la prima cosa che
scrissi è la seguente:
"Oggi
è il mio primo giorno di scuola
fino
a maggio scorso sono andato all'asilo
volevo
bene a suor Anna;
e
suor Anna è fuggita con un bersagliere. "
Ora
analizzando queste parole notiamo che c'è ritmo, c'è musicalità, come si
suoi dire, ma non c'è poesia. C'è l'istinto innato dell'"IO", ma
non c'è il "SE"'; quindi manca quel conflitto necessario e vitale
che trasfigura le cose della vita in arte.
L'Arte,
amici miei, non può essere solo straripamento dell'"IO" perché
in questo caso, avremmo soltanto espressioni di un'anima. L'Arte vuole la
riunione di tutte le forze dello spirito e trova i suoi confini nello
slancio verso un avvenire che sia, nello stesso tempo, promessa di
espansione.
Ecco
perché il poeta è chiamato anche vate, cioè indovino, perché sono
appunto queste forze che gli permettono di precorrere i tempi; e il vate, in
questo caso, dev'essere anche colto, erudito, se vuole che la sua sia oltre
che missione, anche Arte.
Bisogna
che il Poeta risponda a questo al di là dell'"IO" col suo più
intimo interrogativo e ci presenti l'immagine attraente della sincerità
dell'arte, in modo che, noi riconosciamo in esso ciò che possiamo essere.
Scrive
Bergson che, "non
vi è al mondo nessuna virtù più unificatrice del richiamo di una purezza
che è già presenza fedele a sé stessa".
In
parole povere, il Poeta, se vuole ritenersi degno di questo appellativo,
necessariamente deve evolversi culturalmente, deve abituarsi a pensare, e, a
lottare in continuazione con il proprio "SE"'. Amici cari, l'Arte
vuole la coesione del cemento solido dell'equilibrio.
Questo
dono è di pochi eletti, che poi sono coloro che eccellono su tutti e che
noi chiamiamo Geni.
Eugenio
Montale, come persona, appariva scettico nella sterile perplessità umana
che non raccoglie l'occasione improvvisa di salvezza; però nella poesia
invoca la compagnia, anche se della tristezza, auspicando all'uomo una
discesa senza viltà; e pure cerca nelle immagini poetiche, create dal suo
"IO" quella coesione necessaria per continuare a vivere, per sé e
per gli altri, nelle "Ombre
Evanescenti" che l'immersione delle mani nel secchio, colmo
d'acqua, tirato su dal pozzo, evocano alla sua memoria.
"Cigola
la carrucola del pozzo,
l'acqua
sale alla luce e vi si fonde.
Trema
il ricordo nel ricolmo secchio,
nel
puro cerchio un'immagine ride.
Accosto
il volto a evanescenti labbri:
si
deforma il passato, si fa vecchio,
appartiene
ad un altro...
Ah
che già stride
la
ruota, ti ridona all'altro fondo,
visione,
una distanza ci divide. "
Già
in "Ossi di seppia" del
1925, colpisce in Eugenio Montale il conflitto per l'equilibrio tra
creatività e ragione, un conflitto che è astrazione radicale del tempo,
con le determinazioni più urgenti di una storia segnata da traumi dolorosi:
"Nasceva
In Noi, Volti Dal Cieco Caso./l'oblio Del Mondo"
Un
conflitto che definiremmo antidrammatico che ritorna alla memoria, nel
voluto silenzio di quel mondo sovrastato dalle leggi meccaniche:
"Non
domandarci le formule che mondi possa aprirti
sì
qualche storta sillaba e secca come un ramo"
Ma
l'uomo continua ad andare sicuro, convinto di essere amico a sé stesso e
agli altri:
"e
l'ombra sua non cura che la canicola
stampa
sopra uno scalcinato muro"
"Ossi
di seppia" non ebbe sicuro successo, era poesia troppo nuova per il
gusto del tempo, ma nel 1989 con "Occasioni", in cui si nota subito il sostanziale
mutamento conflittuale, va oltre il senso ottico-spaziale, per allargare il
paesaggio oltre lo scenario immobile della riviera ligure.
Le
diverse sensazioni che provengono dal di fuori assillando un "IO"
creativo muto, per scelta propria lascia al "SE"' l'apertura dello
sguardo sulla desolante tristezza e le incorpora nei colori abbrunati dello
stesso paesaggio, costruito razionalmente.
"Questa
rissa cristiana che non ha
se
non parole d'ombra e di lamento
che
ti porta di me ? Meno di quanto
t'ha
rapito la gora che s
'interra
dolce
nella sua chiusa di cemento. "
Finisterre
completa l'opera conflittuale preannunciata da "Ossi
di seppia" e continuata da "Occasioni".
Lo stesso Poeta, chiarifica il concetto dicendo che, mancava a quei limoni,
uno spicchio.
La
sua vita, come abbiamo notato, è stata una evoluzione continua, che è
andata sempre più acquistando e conquistando l'equilibrio pratico
dell'" IO" e del "SE' ", senza mai raggiungere la "Catarsi", anzi in questa lotta continua e problematica
viene a verificarsi di colpo uno spettacolo che fa paura, cosa che evidenzia
nella poesia
"Vento
sulla mezzaluna":
"II gran ponte non portava a te
t'avrei
raggiunta anche navigando
Nelle
chiaviche, a un tuo comando. Ma
già
le forze, col sole sui cristalli
delle
verande, andavano stremandosi
L'Uomo
che predicava sul Crescente
Mi
chiese "Sai dov'è Dio?" Lo sapevo.
E
glielo dissi. Scosse il capo. Sparve
nel
turbine che prese uomini e cose
e
li sollevò in alto, sulla pece. "
Pier
Paolo Pasolini, nella "Ballata
delle madri" è in conflitto, forse più che in altre opere.
Mi
domando che madri avete avuto.
Se
ora vi vedessero al lavoro
in
un mondo a loro sconosciuto,
presi
in un giro mai compiuto
d'esperienze
così diverse dalle loro,
che
sguardo avrebbero negli occhi?
Se
fossero lì, mentre voi scrivete
il
vostro pezzo, conformisti e barocchi,
o
lo passate, a redattori rotti
a
ogni compromesso, capirebbero chi siete?
Madri
vili, con nel viso il timore
antico,
quello che come un male
deforma
i lineamenti in un biancore
che
li annebbia, li allontana dal cuore,
li
chiude nel vecchio rifiuto morale.
Madri
vili, poverine, preoccupate
che
i figli conoscano la viltà
per
chiedere un posto, per essere pratici,
per
non offendere anime privilegiate,
per
difendersi da ogni pietà.
Madri
mediocri, che hanno imparato
con
umiltà di bambine, di noi,
con
unico, nudo significato,
con
anime in cui il mondo è dannato
a
non dare ne dolore ne gioia.
Madri
mediocri, che non hanno avuto
per
voi mai una parola d'amore,
se
non d'amore sordidamente muto
di
bestia, e in esso v'hanno cresciuto,
impotenti
ai reali richiami del cuore.
Madri
servili, abituate da secoli
a
chinare senza amore la testa,
a
trasmettere al loro feto
l'antico,
vergognoso segreto
d'accontentarsi
dei resti della festa.
Madri
servili che vi hanno insegnato
come
il servo può essere felice
odiando
chi è, come lui, legato,
come
il servo può essere, tradendo, beato,
e
sicuro, facendo ciò che non dice.
Madri
feroci, intente a difendere
quel
poco che, borghesi, possiedono,
la
normalità e lo stipendio,
quasi
con rabbia di chi si vendichi
o
sia stretto da un assurdo assedio.
Madri
feroci, che vi hanno detto:
Sopravvivete!
Pensate a voi!
Non
provate mai pietà o rispetto
per
nessuno, covate nel petto
la
vostra integrità di avvoltoi!
Ecco,
vili, mediocri, servi,
feroci,
le vostre povere madri!
Che
non hanno vergogna a sapervi
-
nel vostro odio - addirittura superbi,
se
non è questa che una valle di lacrime.
E'
così che vi appartiene questo mondo:
fatti
fratelli nelle opposte passioni,
o
le patrie nemiche, dal rifiuto profondo
a
essere diversi: a rispondere
del
selvaggio dolore di essere uomini.
Si
nota che questa poesia si presenta più come un esercizio catartico che come
opera letteraria vera e propria, come se l'autore avesse voluto scaricare le
proprie energie emotive ed affettive in un impulso eccessivo di ricerca
verso la catarsi.
E'
una lettera in cui è detto, in libera espressione, tutto il risentimento,
la indignazione, affermando, in uno sfogo naturale dell'"IO", i
propri diritti, senza ritegni. In questo caso sembra che l'"IO"
sia stato appagato, ma la Catarsi è ancora lontana.
Poi
è subentrato il conflitto: una lotta estenuante per il dominio, esercitato
dal "SE"' sull"IO" creativo.
Il
Poeta, incoraggiato dalla propria osservazione a riconoscere la natura
irrazionale dei propri impulsi e i vantaggi o i danni che gli sarebbero
potuti derivare dalla produzione di tale manifestazione, lotta strenuamente
fino al raggiungimento del senso di responsabilità derivato da tale
riconoscimento, tende a neutralizzare questi impulsi controbilanciandoli in
una misura che si avvicini, il più possibile, all'idea originaria.
In
questo caso la Catarsi trova difficile raggiungimento per eccesso d'azione e
porta l'autore a sviluppare un atteggiamento iper-critico, di sé e degli
altri. La ricerca non è commisurata secondo le necessità, ma usata
acriticamente da iper- intellettuale, scivolando in un sub-criticismo anti
produttivo.
Esaminando
l'opera in modo più generale, si può dire che la tensione derivante dal
contrasto fra le visioni del futuro e le condizioni presenti è creativa, ma
soltanto se viene accettata ed utilizzata come stimolo, all'azione
costruttiva, quindi... Penso che, a questo punto, un'analogia può rendere
il concetto, o meglio può chiarificarlo evidenziando anche il mancato
raggiungimento dell'equilibrio conflittuale del poeta.
La
nostra vista dovrebbe sempre precedere il nostro piede, mentre accade spesso
che la visione è limitata al terreno davanti a noi. D'altra parte se si
tenessero gli occhi sempre fissi alla cima della vetta si potrebbe
inciampare e cadere lungo la via. Ma l'occhio ha la capacità di cambiare
rapidamente il suo "fuoco", dal passo immediato da fare a tutti i
passi intermedi fino alla cima della vetta, e viceversa. Allo stesso modo
l"'IO" creativo, dovrebbe saper abbracciare l'intero campo o sfera
di conoscenza e di azione, da ciò che è immediato a ciò che è remoto e
focalizzarsi su quel punto o quella distanza che sia la più utile in ogni
dato momento e in ogni particolare situazione in modo che il "SE"'
si trovi al centro del campo, e l'opera d'arte si trovi a possedere
quell'equilibrio necessario atto a farla essere opera d'arte perfetta.
Molto
spesso, anzi sempre, il "SE' " si ribella al dominio
dell'"IO" proprio perché l"'IO" non è la mente, quindi
occorre raggiungere l'esperienza deir"IO" quale auto
identificazione per poter esemplificare l'immissione del "SE"'.
Pasolini,
in questa poesia, ha solo coscienza dell'"IO" quale auto
coscienza, ma lascia troppa libertà al "SE"' solo quale auto-
identificazione, ecco perché l'opera, non solo non raggiunge la perfezione,
ma non lascia intravedere, che a sprazzi, la catarsi ricercata, dando alla
poesia uno sfogo dell'anima, nuda, in cui la ragione non ha modo d'essere se
non nel fatto reale, (per il suo "IO") della madre del nostro
tempo. In essa vi è il solo valore estetico, in quanto le immagini create
costituiscono delle forze operanti, quasi entità viventi, che hanno un
potere suscitatore e creativo. E l'errore di Pasolini, in questo caso, è
stato di aver lasciato che queste forze restassero inutilizzate, non avendo
tentato neppure di assoggettivarcisi inconsciamente.
La
maggior parte dei poeti che leggiamo oggi non conoscono il conflitto
necessario all'arte perché (lo affermano senza vergogna), non leggono gli
altri per paura di copiarli; preferiscono seguire la propria ispirazione,
per dannazione nostra che non riusciamo più a leggere un bei verso, eccetto
in casi sporadici, come ho già accennato.
Croce
afferma che: "// giudizio
della poesia ha un'unica indivisibile categoria, quella della bellezza, e,
secondo essa, denomina le opere, che la fantasia rievoca, "belle"
o "brutte" e le discerne in "pienamente o poeticamente
belle", e in "letterariamente belle", e in queste ultime
discerne, secondo il vario contenuto sentimentale, intellettuale o volitivo
che esse rivestono di bella forma, in opere di effusione, di prosa o
didascalica, di oratoria, di letteratura amena e di "arte per
l'arte". Discernimenti assai delicati, che non v'ha modo di rendere
meccanici o altrimenti agevoli, e ai quali le stesse distinzioni teoriche,
che la filosofia fornisce, se porgono strumenti necessari, impongono, più
grave onere, l'obbligo di usarne e di usarne bene, cioè di non abusarne.
L'abuso o lo sciocco uso che ne fanno gli indiscreti e gli inesperti spinge
a irragionevoli lamenti contro quegli strumenti stessi pericolosi;
dimenticando il detto di Jacobi in un 'occasione consimile, che ciò di cui
non si può abusare non è buono neanche per l'uso,"
Con
questo presupposto, don Benedetto, bocciò Ferdinando Russo ed esaltò Di
Giacomo, suo caro amico.
Ma
l'atto col quale la coscienza superiore diventa capace di gustare l'unicità
assoluta di ogni momento creativo è ben diverso. E' un atto di alto valore
personale, poiché questa unicità non si da che a una coscienza veramente e
profondamente artistica, sensibile a tutte le armonie del reale e alle
prospettive più profonde. Se ammette un paragone, è solo nello slancio
delle passioni personali; sia che la coscienza creatrice guardi verso la
generosità inesauribile della vita reale con l'avidità di riceverne sempre
una forza nuova, sia che si senta dietro di sé la minaccia dell'abitudine,
fuggendo l'ombra della ripetizione. Ma il gusto dell'unico, se è cosciente,
non è mai premeditato o lo è a malapena; ha troppa fiducia per domandarle
pegni o per prendere eruzioni. Il Poeta riceve il suo frutto e lo accetta
come una grazia cercando per prima cosa il segno della verità e quindi
della bellezza: unicità della Poesia.
Inoltre il poeta non cerca l'originalità, essa è già interamente nella
sua coscienza, per sentirsi Vate. L'Artista perfetto se ne allontana con
diffidenza, come i Santi che, per sentirsi vicini a Dio, si abbandonavano a
singolarità insensate. Tuttavia vi sono dei momenti in cui la ricerca
dell'originalità, e persino dell'originalità ad ogni costo, appare come
una tappa vergognosa per l'artista perfetto, fino ad infierire contro se
stesso con l'amarezza di credersi solo in mezzo ad un Universo ostile e
incomprensivo.
A
questa subestimazione, si può fuggire solamente con una cultura della
conoscenza del corpo, analoga a quella dello spirito; ed è bene sistemarla
in anticipo, per mettere in sesto la cultura dello spirito e per impedire
confusioni fra lo spirituale e l'irreale.
Scrive
Rousseau in "Emilio"'.
"E’ necessario aver studiato a lungo il corpo, per crearsi una veritiera
nozione degli spiriti e per supporre che esistono. L'ordine contrario serve
solo a dare fondamenti al materialismo". Quindi è necessaria
all'Artista un'apertura al reale perché essa facilita la larghezza di
vedute, il senso al di là del momento creatore e dell'io presente i quali
permettono a una vita di unificarsi e di misurarsi. L'apertura al reale,
inoltre, spezza le attitudini d'opposizione, disimpegna le lenti
dell'egocentrismo e la forza dislocatrice nella potente attrazione
dell'Universo.
Occorre
tener presente di cercare sempre il vero, non dire mai ciò che si crede di
sapere, tacendo il resto; di esprimersi sempre con sincerità e respingere
il verbo dell'orgoglio, di andare al puro, al profondo, all'autentico.
Per
questi motivi e non per altro oggi attraversiamo un periodo di "arte.
povera” in ogni senso, e troviamo nei fondamenti dell'impresa
editoriale, la quale ha come alternativa il discorso dei maggiori, sempre
gli stessi, (l'editoria improvvisata infesta il mercato e non permette il
riconoscimento di giovani valenti), i quali conservano la loro dimensione,
ma soltanto nell'ambito regionale, anche se agevolano, in qualche modo il
recupero dei contenuti.
Al
di sopra delle correnti regionali tentano di farsi luce, di farsi sentire,
alcuni giovani, i quali, trovando un'industria editoriale e galleristi sordi
e ciechi sono costretti a impoverire il proprio stipendio per pubblicare o
esporre le loro opere che palesano in modo chiaro e inconfondibile la "contraddizione
dell'io e del se' nell'arte pura" e il raggiungimento
dell'equilibrio spirituale.
Giovani
che percorrono vie diverse e che troveremo domani, e domani ancora,
sull'unica strada che conduce al traguardo della vera arte: una pittrice,
Viviana Buzzòli; un pittore-musicista, Lucio Garofalo; uno scrittore,
Giuseppe Guin; e due poeti, Selim Tietto e Antonio laccarino.
Viviana
Buzzòli, che proprio dallo studio profondo del corpo, raggiunge una
spiritualità elevata da far provare la sensazione di lievitare.
Prendiamo
ad esempio "Creazione del
colloquio" un olio 110X40 in cui le figure partono dalla materia, e
informalmente, con i piedi ancora sprofondati nella materia, una terra di un
colore violaceo, si erigono verso il cielo dove i volti acquistano aspetto
ieratico, tanto sono pieni di spiritualità intensa. Oppure l'olio 50X70 "Nascita
della verità'" in cui, sempre dalla materia, due gambe informi
raggiungono all'inguine, il massimo valore dell'io in un equilibrio
perfetto, sbocciano fiori di campo, simbolo della natura: trionfo trino
dell'equilibrio dell'artista, indubbiamente raggiunto oltre che dall'innata
spinta dell'io creatore anche da uno studio sistematico organizzato per
raggiungere appunto il sano equilibrio dell' arte. La contraddizione dell'io
e del SE', in questo caso, è puramente intellettuale perché la coscienza
è in continua tensione verso la verità.
La
contraddizione della Buzzòli è differente da quella di Garofalo; l’una,
partendo dalla materia raggiunge l'equilibrio dello spirito in seno alla
natura, o alle leggi naturali dell'uomo, l'altro lo raggiunge nell'unione
con il simbolo musicale che è equilibrio armonico, come connubio
musica-colori, con la materia originaria.
Lucio
Garofalo avverte la disponibilità alla "Catarsi" come necessità
sentita; le sue opere sono pregne di terra dalla quale si sprigiona un
sentimento fraterno sentito fortemente, come il senso di vuoto che ognuno di
noi avverte in questa nostra epoca in cui il vicino rimane sempre un
estraneo e la famiglia stessa va sgretolandosi. Le forme sono velate da
colori amalgamati in sincronizzazione di ocra, terra di Siena, rossi
favolosi, per esplodere spiritualmente in tutta la loro maestosità. La
linfa che dal "Quid" iniziale
attraverso la appariscente formazione della figura da fluido e vita all'uomo
delineante. Emergono da questa figura, e non a caso, una testa appena
accennata o una mano ancora inerme, ma che, attingendo linfa dal "Quid",
prende forza. La figura è là quasi a imprimere, attraverso il ricordo, la
certezza di un equilibrio tra l'IO e il SE' come una fede incrollabile.
Selim Tietto, nato alla poesia impegnata nei primi anni '70, dopo momenti di
conflitto estenuante, che non riusciva a capire perché FIO era sempre
superiore al SE' e non conoscendo la via dell'equilibrio si stava perdendo,
oggi ritoma con voce potente. Ricordiamo la sua prima opera "Prismi
di smog1' in cui il rimpianto dell'uomo che, per la sopravvivenza è
costretto a perdere la libertà, giocandosela per un grammo di benessere,
anche se, "Erano belli i
fichidindia del Sud/e il sole sapeva di mare. " Egli canta il
dramma dell'immigrato, in conflitto estenuante fra l'IO e il SE', poiché
lui, dell'immigrato, ne ha sentito solo parlare, o ha letto la loro storia
sui quotidiani, al suono del verso armonioso, forte, incisivo, caldo e
sofferto; e noi vediamo estendersi il nostro orizzonte: si delineano uomini
e cose, si colorano monti, mari, fiumi, città; e formano come
l'irradiazione visibile dell'anima del Poeta in lotta con il proprio SE'.
1
- "Viene l'alba
Signore
Ed
io ho ancora una cicca spenta
e
aroma amaro ho ancora
sulle
labbra.
Viene
l'alba
Signore
su
questa città di catrame...
Ed
anche oggi
io
piangerò lacrime di sangue
nel
mio orto degli ulivi.
2.
Tu lo sai
non
ho più mani pure
Signore!
E
i miei calli san bruciati
e
la mia mente frustrata
e
più non so stendere
rami
d'ulivo
a
chi pressa bitume sul mio corpo.
Il
mio calice di cedro
è
saturo di fiele ormai
fino
ali 'angoscia.
E
le bestemmie
Signore
sono
l'ultima preghiera.
3.
Noi siamo gli odierni schiavi d'Egitto
legati
alle catene di montaggio.
E
in ogni ora del giorno
ci
nutriamo d'erbe amare
nell'attesa
di un esodo mitico.
Ma
dimmi quando arriva
mio
Dio!
il
carro d'Elia
che
ci trasporti lassù
oltre
il fumo denso
di
queste ciminiere
che
annebbiano il sole?
La
poesia di Antonio laccarino nasce come mezzo per diminuire il dolore fisico;
con lo scopo generico di produrre effetti collettivi; come una terapia
musicale scientifica i cui elementi principali sono il ritmo, la melodia, il
tono e l'armonia.
Il
ritmo è l'elemento principale che esercita una potente influenza sul
lettore e l'Autore lo dosa, a volte stimolandolo, a volte calmandolo,
armonizzandolo o creando discordanze. Ogni verso ha il suo influsso ritmico
che scivola naturalmente, nella melodia.
"Appartengo
a quelle
case
come stive,
gonfie
di sudore.
Al
pane e sale
rubato
ad altra fame.
Ai
tram ansanti
della
periferia brulla
ai
cinema bui,
come
innocenti profanazione
Appartengo
ai quattro soldi
Tintinnanti
nelle
tasche scucite.
Alla
preghiera implorante
d'uno
storpio sul sagrato.
all'ozio
pensoso dei cortile
alla
flanella ruvida
e
nervosa.
Appartengo
al palmo calloso d'un padre invecchiato.
Alle
vigne calde
dei
nostri sberleffì.
Al
crocicchio del destino,
dove
ritroverò tutti. "
II
conflitto fra l'IO e il SE', il confronto in un esame introspezionale, fa
capire al Poeta il fallimento della propria missione; eppure io sono come
loro perché non sono riuscito a farmi capire? No. Non mi arrenderò. Non mi
presenterò al "crocicchio del
destino" come Orfeo: non voglio dissolvermi guardando indietro.
Alla
lettura, come avete notato, produce una influenza vibratoria, proprio come
le note musicali. E come acquistano maggiore efficacia i versi spezzati: "Tintinnanti",
e "nervosa".
Questi
versi intrecciati con una combinazione del ritmo, dei toni e degli accenti,
producono, appunto, una melodia armonica: giusto raggiungimento del
risultato dell'attività creativa del poeta.
"Vecchi
nella morta controra
masticano
denti di solitudine,
laschi
alla vita
come
cani in piazza
Marinai
senza rotta
e
senza lingua
mordono
il sughero dell'attesa
pronti
ali 'approdo."
I
vecchi, sono il, statue di carne e di spinto, a masticare solitudine: "come
cani in piazza". Espressione allucinante! Se ci guardiamo dentro
proviamo orrore, eppure nulla turba la nostra caotica esistenza; non
facciamo niente per scuotere quell'apatia: egoisti consapevoli e inetti. I
vecchi sono ormai "marinai senza
rotta/senza lingua", tuttavia basterebbe un nostro gesto per farli
parlare e parlando smettere di mordere il sughero.
Ma
il Poeta non si accontenta dell'attività creativa, affronta un processo di
integrazione della personalità, cosciente dei contenuti dell'inconscio;
analizzando il manufatto creativo, esegue un processo di sintesi e di
essenzialità, sottomette l'IO al SE’, e fa della sua poesia un'opera
d'arte "maggiore".
"Ho
ricucito strade
col
fiato di polvere
per
ritrovare
la
ghiaia delle rotaie
e
I ' acqua dei pozzi
e
sentirmi straniero
nel
vestito di lana buono.
Periferia
di zolfo
alle
narici
e
madri curve ai lavatoi
dove
gli uomini
avviliscono
ai caffè
e
la morte
è
un soffio al lume."
Di
fattura che rasenta la poesia pura, se non fosse per il linguaggio parlato,
affronta un aspetto sociale che è come una piaga nel costato dell'umanità,
sorda e indifferente. Una denuncia spietata della nostra scialba esistenza.
Il
fatto in sé, reale, viene trasfigurato e tramutato in sublimazione con un
grido potente che prende tutta la società umana, lasciandola intontita di
fronte alla catastrofe cui va incontro.
La
poesia di Antonio laccarino proietta decisamente l'interesse, della propria
aspirazione, del proprio entusiasmo, di un'attività che attiri ed assorba
il lettore, facendolo ripiegare su sé stesso, pensoso. Ciò induce ad una
osservazione generale sul problema di fronte al quale il Poeta è venuto a
trovarsi nell'attimo creativo, prescindendo, o approfondendo l'esame, sul
conflitto post-creativo con il SE' maggiore.
Di
altra tempra, non scevra da conflitti esistenziali, è l'arte del comasco
Giuseppe Guin, il quale usa il simbolismo con piena consapevolezza; ed è
proprio il significato simbolico il mirabile quadro di una psicosintesi
completa.
Le
sue fiabe sembrano orientali per il nome dei personaggi che si aggirano nel
fantastico mondo di Egadon. La tecnica è da fiaba, semplice, ma viva,
reale, capace di riuscire a distanziarsi dalle situazioni. I personaggi
siamo tutti noi, capaci di guardarci dentro, in seno alla nostra società,
capaci di giudicarci come se non fossimo noi, di soffrire senza per questo
sentirci sconfitti e gioire del bene degli altri, con amore.
La
fiaba di Guin si snoda sempre in fasi cronologiche: la prima indica
l'esplorazione dell'inconscio inferiore; la seconda, indica il processo
della purificazione morale e il graduale risveglio della coscienza mediante
il risveglio della vita attiva; la terza, dipinge in modo maggiore lo stadio
della realizzazione supercosciente, fino alla concretizzazione della libertà
dello spirito universale: la libertà, appunto, nella quale sono fusi: Amore
e volontà.
Nella
situazione culturale nella quale viviamo da qualche anno, questo modo di
fare arte "Maggiore",
attira non solo la nostra attenzione, ma esclude le frustrazioni profonde in
cui altri si crogiolano nell'io, ignorando la presenza del SE'
nell'individuo per un equilibrio spirituale che rende bella l'arte e sana la
mente.
E'
per la presenza di costoro che ignorano l'equilibrio conflittuale fra l'IO e
il SE' che viene a crearsi il profondo disorientamento della nostra civiltà
culturale, quale si manifesta specialmente nel modo di fare degli "scrivitori
di versi". (L'espressione non è mia è di Marcello Eydalin), i
quali hanno accentuato e accentuano il carattere assurdo dell'esistenza
artistica.
Per
questo motivo, ci incombe il compito di istituire una disanima più
sistematica dei bisogni umani e una più approfondita analisi quando si
assegnano dei premi, tenendo presente il modo d'essere totale dell'uomo, in
seno alla società.
Ma
forse gli "scrivitori"
hanno paura di pensare perché il pensiero implica che si vada incontro ad
ostacoli, che ci si propongano difficoltà, che ci si getti, nell'imbarazzo
e nel dubbio. Socrate turbava i suoi amici, ma turbava per prima sé stesso;
e l'ironia non faceva altro che esprimere al di fuori quello che c'era
dentro. Fiatone lo sapeva molto bene, ecco perché ha creato dei personaggi
il cui spirito è opposto allo spirito di Socrate, sia che obiettino e
rispondano, sia che si intestardiscano a non comprendere.
Aristotele
ha rinunciato all'apparato un po’ teatrale, ma si crea sempre una
difficoltà; San Tommaso va sempre alla ricerca di ciò che è contrario;
Cartesio è più acuto e mordace.
Ricordino,
"gli scrivitori" che gli
impedimenti sono i mezzi del progresso. Colui che ha inventato la metrica
sapeva bene che più servitù imponeva alla forma, più dava alla bellezza
occasione d'essere. Porre vicino a sé l'avversario, dargli ogni permesso di
contraddire è nell'ordine dei pensieri. Il pensiero che ha attraversato la
contraddizione è un pensiero sperimentato; e se non lo è, è sempre
identico ad un pensiero provato. Ma questo, ovviamente, viene ignorato dai
pseudo, altrimenti non danneggerebbero il mondo dell'arte.
Il
vero Poeta, l'artista perfetto, eccita il pensiero. Ma noi, (scusate se mi
intrometto), critici, nelle nostre opinioni mescoliamo pregiudizi, invece
dovremmo, (Dobbiamo),
riconquistare quello che si crede, con il sudore della fronte; e non pensare
(senza pensiero) di premiare questo o quello perché è nostro amico, o
perché fa parte del nostro sodalizio e vogliamo aiutarlo ad emergere.
Sbagliamo! Si, sbagliamo perché la cosa migliore per questa riconquista è
permettere che la si attacchi.
Quelli
che hanno proceduto in questo modo e che si sono offerti alle critiche,
lasciando campo libero all'avversario, attraverso la radio libera, articoli,
conferenze e teatro hanno guadagnato e guadagnano raro vantaggio perché la
loro opera riassume molti tipi; essa è come quelle specie avanzate che
sembrano ricapitolare la storia; e incontra anche la bellezza.
In
un momento, la bellezza si ottiene, non solo quando ogni pietra è a posto e
in equilibrio, ma anche quando le diverse linee si sostengono e si
compensano. Se la pace dell'anima risulta da parecchie passioni domate, se
è vero che la virtù è più sicura quando si appoggia su un difetto
represso, è ugualmente vero che la virtù di un giudizio è più ferma
quando risulta da un pensiero confutato. Per tutte queste ragioni, la
supposizione del pensiero contrario, cioè del conflitto nell'artista
perfetto dell'io e del SE’ porta all'equilibrio spirituale che è il vero
nutrimento dell'ARTE.
BIBLIOGRAFIA
ESSENZIALE
Contraddizione
dell'IO" e del "SE"' per un'arte maggiore
1)
Marmele Mounier: "La difesa dell'io" Ed. Paoline 1949
2)
Manuele Mounier: "L'affermazione
dell'io" Ed. Paoline 1949
3)
Antonio Eymieu: "Le grandi leggi" - L'Arte del volere" Ed.Cit.
4)
Jean Guitton: "II lavoro
intellettuale" - "Arte nuova di pensare" - Ed. già cit.
5)
Alois Gruber: "I rapporti tra
cervello e anima" - Ed. già cit. 1960
6)
Giuseppe Nuttin: "Psicologia del
profondo" - Ed. già cit. 1960
7)
Amaury Lacretelle: "Prefazione a
Cime tempestose" di Emily Bronté.
8)
Torquato Tasso: "Le rime" a cura di F. Flora Ed. Classici Rizzoli
9)
Herry Bergson: "Sui dati
immediati della coscienza - l'Evoluzione
creatrice" Sansoni Editore Firenze 1955
10)
E. Montale: "Tutte le opere"
- Collezione Premi Nobel 1985
11)
P.P.Pasolini:"Poesie in forma di
rosa" - Garzanti,Milano 1964
12)
B.Croce: "La poesia"
Editori Laterza, Bari 1969
13)
J.J.Rousseau: "Emilio" -
Sansoni Editore, Firenze 1955
14)
A.Iaccarmo: "Poesie inedite"
Ed. A.I.A. Poesia della Vita 1985
15) Selim Tietto: “Prismi
di smog” – edizione Mantova 1974
