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Sonate veneziane del Settecento La présence de la "flûte traversière baroque"
est attestée ,en Italie, depuis le début du 18ème siècle alors que la
"renaissance traversa" fut largement utilisée de la fin du 15ème
siècle jusqu'au debut du 17ème siècle (la précieuse collection de l'Accademia
Filarmonica de Verone en est le témoin). L'Oratorio "La
Resurrezione" de Georg Friedrich Händel, représenté pour la première
fois à Rome en 1708, prevoit une panie obligee de "Traversa" ;
certains ont pensé qu'elle fut jouée par Jacques-Martin Hotteterre "le
Romain" ou, en étant plus reéaliste, par un musicien Polyvalent de
l'orchestre. En tous cas, dans les premières mnees du 18ème siècle, c'étaient
des instrumentistes à vent français qui opéraient dans les principaux
orchestres ce furent eux qui inventèrent la "maniera di fiato tardo
barocca" (1a manière de jouer des instruments à vent à la fin de
I'époque baroque), transmettant ensujte cet Art aux AIlemands et aux ltaliens
sul1out quand, après les années 20, commencèrent à circuler, hors de France,
les premières compositions dédiées expressément à de tels instru ments. En
1724, Quantz descendit en ltalie: il avait étudié (à Dresde avec la première
Flute de l'Orchestre, "Monsieur Pierre Gabriel Buffardin". Le futur
Mâìtre de Frédéric Il de Prusse eut ainsi I'occasion de rendre visite aux
plus importantes cités et aux plus grandes personnalités musicales de
l'epoque : il fut probablement le premiel virtuose de la flûte
traversière jamals entendu dans la Péninsule! Comme par enchantement, les
compositeurs italiens commencèrent ,à cette epoque, à destiner des oeuvres de
manière spécifique à de tels instruments. Il Signor Vivaldi était sans aucun
doute intéressé à ce nouveau langage da la "flûte traversière" , à
tel point qu'illui dedia de nombreuses oeuvres toutes caractérisées par une
agilité inattendue mais sortout par une nouveauté absolue quant à
I'expressivité dans le style "cantabile". Nous pouvons considérer
"il Prete Rosso" comme le premier grand compositeur vénitien (et
pas seulement vénitien) pour flute traversière: celui-ci contribua
considérablement tant à l'évolution technique, s'inspirant typiquement de
l'écriture pour violon, qu'à I'affinnation "politique" de
I'instrument. Nous savons qu'un enseignant "todesco di oboè"
(allemand de hautbois), il Signor 1gnazio Sjeber, était actif à Venise, au
debut du 18ème siècle, à l'Ospedale della Pietà. Jouant également de la flûte
traversière, il enseigna cel1ainement cet art nouveau à des générations
entières de "putte & putti". De talentueux instrumentistes à ven
furent fonnes ainsi dans les Ospedali venitiens (à en croi re la pratique
polyvalente de l'epoque, ils pouvaient em egalement "sonatori de
arco" (Instrumemtistes à cordes) clavecinistes, chanteurs et professeurs
de chant, composi teurs, etc...). Les plus célèbres d'entre eux occupèrent
des postes de grande envergure auprès des Cours de l'Europe entière : il
Signor Platti à Würzburg (avec Tiepolo!) "Maestro sul flauto traverso
dell'Illustrissimo et Reverendissimo Signore Pietro Filippo di Krufft"
(à Venise il fut elève, avec Benedetto Marcello, de Gasparini à l'Ospedale
della Pietà); Mademoiselle Anna Bon, "virtuosa di musica da camera"
(virtuose de musique de chambre) à Berlin auprès de la Cour de Frederic le
Grand, active ensuite avec san père Gerolamo (célèbre architecte et
decorateur de theatre et meme claveciniste "per diletto" (amateur)
à la Cour des Esterhazy avec Haydn; il Signor Ferrandini à Munich, comme
hauboïste-flûtiste et ensulte directeur de la musique de chambre à la Cour
(élève de Biffi à l'Ospedale dei Mendicanti); mais aussi des Maestri
(virtuoses) d'autres instruments comme il Signor Vivaldi, violoniste,
"che riempi di musica mezzo mondo" (qui comble de musique la moitié
du monde); il Signor Giovanni Battista Pescetti à Londres, témoin d'une
valide traditian venitienne dans l'art de jouer du clavecin, partagée avec
Galuppi (tous deux furent elèves de lotti). Benedetto Marcello fut le seul à
rester dans la Capitale, probablemem grâce à san rang social de "Nobile
Veneto" (Noble Venitien) et à ses charges de juge et administrateur de
la Republique. Ils représentaient tous la crème des musiciens
"obligés" cependant de traverser les Alpes tant pour le manque
d'espace que pour l'intérêt peu sautenu dans le Bel Paese pour la musique de
chambre instrumentale la plus grande part de ces sonates, publiées ,à
l'époque, à l'étranger (aujourd'hui elles se trouvent dan1 les principales
archives d'Europe), ne furent, probable ment, jamais executees à Venise!
L'Opera dominait el dominera sur la vie musicale de manière absolutiste pour
longtemps, occupant les esprits et detournant inexorablement l'attention
envers la musiqe instrumentale : la voie ouverte ,deux siècles
auparavant, à la pratique toute venitienne de "sonar con ogni sona de
instromenti" (jouer avec toutes sortes d'instruments), se perpétua de
manièr idéale dans d'autres nations : nous pensons surtout à la famille
Bach en Allemagne du Nord et aux Grands Autrichiens de la fìn du siècle. (Traduction
Michel van Goethem)
Johann Joachim Quantz
Johann Sebastian Bach: sonate, ohranjene v avtorjevem
rokopisu, za traverso in basso continuo ali obligatni cembalo Tik po prehodu
v 18. stoletje se je Johann Jacob . Bach {ljubljeni starejsi brat Johanna Sebastiana,
kateremu je posvetil slavni Capriccio sopra la lontananza del suo fratello
dilettissimo BWV 992) nahajal v Konstantinoplu, kjer je bil kot glasbenik in
castni gardist del spremstva svedskega kralja Karla XII. Tam se je spoznal s
Pierom Gabrielom Buffardinom, slavnim francoskim flavtistom, ki je bil prav
takrat gost francoskega veleposlanika v Turciji. Pisalo se je leto 1713. Jacob je
kmalu postal njegov ucenec, ko pa je Buffardin leta 1714 postal solo flavtist
v dresdenskem orkestru -in se je pri njem zacel uciti tudi J. J. Quantz -je
pogosto prihajal na obisk k Bachovi druZini v Leipzig, kjer je bil gotovo
tudi gost zdruZenja Collegium Musicum. In prav to nam pojasnjuje, kako se je
razvilo Bachovo navdusenje za pihala in se prav posebej za traverso. Od 1717
do 1723 je Bach sluZboval kot kapelnik na Koethenskem dvoru na Saskem, kjer
je napisal vecji del svojega instrumentalnega opusa. Ob orkestralnih
kompozicijah (brandenburski koncerti, uverture) so nastale stevilne komorne
skladbe za solo instrumente (triosonate, sonate, suite, partite za violino,
celo, traverso, gambo, cembalo). Vsa ta
dela so nastala po narocilu samega princa Leopolda, ki je, kot je bilo za
aristokracijo takrat v navadi, dobro obvladal violino in violo da gamba.
Pregled Bachovih skladb za flavto pokaze, da je ohranjenih kakih 100 umetnin:
okoli 20 jih je za kljunasto flavto (a le kot orkestralni instrument), medtem
ko so preostale pisane za precno flavto (flauto traverso), primernejso za
ustvarjanje pestrosti v orkestralnih, komornih in solisticnih skladbah. Bach
je bil med prvimi nemskimi skladatelji, ki so pisali za ta povsem novi
instrument, ki so ga ob koncu 17. stoletja razvili v Franciji izdelovalci
flavt Hotteterre. Pogosto ga je uporabljal v orkestralnih partiturah (koncerti,
uverture, kantate, pasijoni, oratoriji, mase), posvetil pa mu je tudi 11
solisticnih skladb: tri sonate s continuom, stiri z obligatnim cembalom, eno
»solo sonato brez basa« ali partito in dve triosonati, ki sta sestavni del
velikega dela Das musikalische Opfer (Glasbena daritev). Tri sonate so
dvomljivega izvora in so najverjetneje delo Carla Philipa Emmanuela. Prave
umetnine poznega instrumentalnega baroka pa so stiri sonate in partita, ki so
ohranjene v avtorjevem rokopisu. Napisane so bile med letoma 1720 in 1747.
Vse so cudovite in zelo zahtevne, razodevajo pa razlicne slogovne
znacilnosti, tehnike pisanja in umetnikova razpolozenja, tako da naravnost
idealno predstavljajo kreativno pot tega velikega mojstra. Sonato v A-duru
BWV 1032 (verjetno ji je za osnovo sluZila triosonata v C-duru za flavto,
violino in basso continuo iz Koethna) lahko pripisemo leipziskemu obdobju, a
v njej se zrcali posebno nagnjenje do italijanskega koncerta, ki je Bachov
rezultat weimarskih let. Prvi del rokopisa, izgubljen med drugo svetovno
vojno, je bil prekinjen pri 61. taktu in se je nadaljeval sele pri zadnjih
dveh taktih. Problem so resili z rekonstrukcijo, ki je zajamcila dobro
formalno ravnotezje spredelavo obstojecega gradiva. Po bolecine polnem stavku
largo e dolce v a-molu (ki po slogu spominja na triosonate za orgle, poznane
tudi v razlicici za violino, violoncelo in continuo) sonata doseze vrhunec v
prelepem, po izpeljavi glasov in po bogatem tematskem materialu cudovito
zgrajenem triosminskem allegru. Sonata v e-molu BWV 1034 je iz koethenskega
obdobja. Prvic
je izsla v Leipzigu leta 1865. Grajena je v slogu sonate da chiesa s
tipicnimi izmenjavami pocasnih inhitrih tempov, ki sledijo harmonsko
izrazitemu prvemu stavku (tipicnemu za Bachovo umetnisko govorico) z viskom
na tricrtanem gv 21. taktu. SIedi allegro, ki razodeva italijansko strukturo
koncertnega stavka z izrazitim izmenjavanjem solo in tutti partov, nato pa
andante, zgrajen na kontrapoziciji basa (ki je oblikovan kot ostinato na
razlozenem akordu), in neskoncne melodicne linije z avtorjevimi originalnimi
okraski v zgomjem glasu. Sk1adbozak1jucuje virtuozni dvodelni allegro v
tricetrtinskem taktu, oblikovan kot zgoscen dialog, prepolnkontrapunkticnih
imitacij in harmonsko drzen. Sonata v h-molu BWV 1030 se nam je ohranila v
rokopisu, ki ga lahko datiramo okrog leta 1735. Po pravici je cenjena kot ena najpomembnejsih
sk1adb, namenjenih flavti v poznem baroku. Natisnjena je bila prvic v Erfurtu
leta 1855 v priredbi za harmoniko (!). Delo je v treh stavkih: zacne z
obsimim andante, osnovanim kot dvojni koncert, ki je poln imitacij v kanonu
in tematicnih invencij v koncertantnem slogu. Ta stavek je bil zaradi
oblikovnih razmerij in neverjetnih numerolosko- kabalisticnih povezav
velikokrat predmet matematicnih in kabalisticnih analiz. Drugi stavek je
dvodelni siciliano, v katerem je flavta v glavnem obravnavana solisticno,
cembalo pa igra vlogo continua (ki pa ga je avtor sam izpisal!). V tretjem
stavku se pod nazivom presto skriva triglasna fuga s kadenco na dominanti, ki
ji sIedi virtuozna gigue v dvanajstsestnajsttinskem taktu s prav neverjetnimi
ritmicnimi ucinki. Sonata v E-duru BWV 1035 bi lahko nastala prav v casu
Bachovih obiskov pri Frideriku n. v Potsdamu tik pred letom 1747. Kot nam je
znano, je bil kralj zelo dober flavtist, obdan z imenitnim krogom najbolj
znanih takratnih intelektualcev in umetnikov. Razpolagal je z orkestrom
pravih virtuozov, med katerimi so bili Quantz, Benda, Gravn in Ch. Ph. E.
Bach (prav on je med letoma 1740 in 1747 predstavil starega Mojstra kralju).
S sonato imajo izvajalci zelo velike tezave in prav zaradi tega je videti kot
»iskren« poklon kralju. To je verjetno Bachovo zadnje »lahkotno« komorno
delo, oblikovano kot sonata da camera. Uvodni adagio ma non tanto je v »fantasticnem
stilu« z razkosnimi okraski, ki jih je ze v partituro dodal avtor sam.
Sledijo aIIegro v slogu francoskega rigaudona, zanosni siciliano v obliki
kanona v oktavi in junaski aIIegro assai v duhu poloneze. (Priredila Marina Horak)
Apart from the spread of music
works with the help of the printing press or copyists, travel provided
another important means of connection and exchange among musical centers
Sojourns in Italy, France, The Netherlands, and England provided German
musicians with the opportunity to study the latest developments of different
music styles in Europe in situ and thus gain new ideas for their creativity.
Venice was long a primary destination of German artists (Diirer) comes to
mind-but it was largely after the study sojourn of the German composer
Heinrich Schiitz with Giovanni Gabrieli that musicians from "across the
Alps" were more frequently sent to Venice by their masters to complete
their education, attain greater artistic inspiration, and to hire opera
singers, instrumentalists, and composers Personal contacts with Vivaldi are
well documented in the cases of Stolzel, Treu, and Pisendel, and it can be
said with certainty, notwith- standing the lack of written testimonies, that
many other German musicians got to know the "Red Priest" as well.
Particularly detailed descriptions of personal meetings with Vivaldi and
facts about the Venetian opera world can be found in the diaries of Johann
Friedrich Armand von Uffenbach. It is not positively known whenJohann
Sebastian Bach began to show an interest in Venetian music. Comparisons with
the composing tradition and interpretative technique of city organists,
cantors, and musicians of centrai Germany inspired Bach to search for his
ideal in the organ artistry of northern Germany masters. The influence of
Venetian composers prior to 1710 is only recognizable in the fact that when
composing fugues Bach occasionally leaned on themes by Albinoni and Legrenzi,
while as far as'ri:eiichjnstrumental music was concerned, he had already had
an opportunit~in 1700 to get to know it through performances he attended at
the celÌd court. Similar experiences regarding Venetian music can be presumed
from 1708 onwards. As an organist and a member of the Court chapel orchestra
in Weimar where he was Concertmaster after 1704, Bach probably had more
frequent contact with Venetian concert literature; however, the only proof we
have been able to find is a small fragment of a copy of an Albinoni concerto
transcribed by Bach. In the middle of 1713, the situation changed: Prince
Johann Ernst of Saxony-Weimar returned from his educationa1 tour of France,
The Netherlands, and England bringing with him new music materia1, among
which were numerous concertos by composers such as Viva1di ( opera IIJ) and
Marcello, concertos that the Concertmaster subsequently adapted and committed
to a specia1 solo performance. This encounter unquestion- ably had many
consequences for Bach's future work: the impetuous yet concise themes of the
great Venetian, their extensive and varied structure, their admirable
combination of skills in the instrumenta1 refrains-a1l these encouraged
imitation, development, and systematiza- tion that had positive effects in
every creative field from concertos to chamber music, from works for keyboard
instruments and choirs to arias, cantatas, and major church compositions. In
October of 1717, during an opportune meeting in Dresden with Johann Georg
Pisendel, the greatest German violinist of the period and a friend and pupil
ofViva1di, Bach was able to become familiar with new Viva1di concertos with
bril1iant instrumentations for a larger number of instruments. The
Brandenburg Concertos, a major work from this period, were supposedly
inspired by the Venetian's model. The change of post from Concertmaster in
Koethen to Cantor at the St Thomas church in Leipzig did not at a1l imply a
break with the art of Viva1di. On the contrary, some sources point to the
conclusion that in addition to composing his owns concertos, Bach was
transcribing and arranging Viva1di's compositions from 1730 onwards and performing
many of them with his Collegium Musicum. The assertion by Johann Nikolaus
Forkl, Bach's first "romantic" biographer (1803), that only by
transcribing Viva1di did Bach learn to think in music is certainly very
risky, but it effectively underlines the important role that the Venetian's
work played in many European musica1 milieus and in Bach's work in
particular. (trad.StefanoB)
Als Zentrum steten Flusses von
Verkehr und Handel hat Venedig seine künstlerische Produktion immer als
wunderbare Mischung aus unterschiedlichen Stilen und Ausdrucksformen
charakterisiert. Sie alle vereinen sich zu iner Wesenheit, bei der der
Eklektizmus einern aussergewohnlichen Typus Platz macht. Es ist bekannt, dass
bis zum Niedergang des Byzantinischen Reichs, Ende des 15. Jh., der Osten
einen weit grösseren kulturellen Einfluss auf die Serenissima hatte als die
Kultur in Mittelitalien. Venezianische Malerei, Bildhauerei und Architektur
des gesamten Mittelalters sprechen hauptsachlich von toskanischen und
griechischen Einflüssen-denkt man beispielsweise an die Kuppeln und Mosaiken
von San Marco oder gar an die metaphysische Reinheit der Visionen Carpaccios.
Ebenso ist es gewiss kein Zufall, dass der venezianische Patriarc -sieht man
einmal vom Papst ab auch heute noch der einzige Patriarch der Ostlichen
orthodoxen Kirche ist. Natürlich war Venedig niernals orthodox, doch seine
engen Beziehungen zum Orient tragen sicherlich zu seiner einzigartigen und
seit langem bestehenden Autonomie gegenüber der Kirche von Rom bei. Und
selbst wenn in der stadt von San Marco der romische Kult immer den byzantinischen
Kult dominiert hätte, müsste man kein abnorm entwickeltes Ohr haben, um
bestimmte Modulationen innerhalb der Cìregorianischen Hymnen der
Marciana-Kapelle zu unterscheiden, die die Uturgie der nahegelegenen Kirche
von San Giorgio dei Greci (der griechischen Kirche von San Giorgio)
massgeblich beeinflusst haben. Peinlich genau kodifiziert in jeder Modulation
ihrer Aufführung und durch eine Fülle detaillreicher Omamente
charakterisiert, war die Musik des byzantinischen Orients zu grossen Teilen auch
mit instrumentellen Aufführungen betraut. Wie wir wissen, geschah dasselbe
auch im abendlandischen und gregorianischen Repertoire, dessen Melodien-weit
davon entfemt, nur auf religiose Anlasse beschrankt zu sein gleichzeitig in
sakularen Vertonungen parodiert wurden. Vor diesem Hintergrund praesentieren
wir Ihnen drei stücke aus dern gregorianischen Repertoire in dem Versuch, ein
Konzept der Rote als ein stimmen imitierendes Instrument wieder aufleben zu
lassen und gleichzeitig ihre Fahigkeit her vorzuheben, Modulationen zu
variieren und dabei der Melodielinie unterschiedliche Farbigkeit zu
verleihen. Die Hymne „Ave Maris stella" hat ihre Ursprünge
wahrscheinlich im 7 oder 8. Jh. und wurde in der Abendmesse des Marienfestes
gesunngen. Jahrhundertelang sehr bekannt, wurde sie von berühmten Komponisten
wie Adrian Willaert „Hymnorum Musica", Venedig (1543) und Claudio
Monteverdi „Vespro della Beate Vergine", Venedig, 1610) als cantus
firmus verwede -beide Komponisten waren zu jener Zeit bereits Kapellmeister der
Basilica von San Marco, Die "Sequentia in die Resurrectionis"
gehort zum Brauchtum der Stadt Aquileia und ist uns durch das venezianische
"Graduale" von 1527 (heute im Besitz des Konservatoriurns von
Triest) uberliefert. Der dritte Hymnus „Veni Creator Spiritus",
schliesslich wurde für die Pfingstabendandacht geschrieben und wird in der
volksrumlichen Tradition eigentlich Carlomagno zugeschrieben, Es ist jedoch
sehr viel wahrscheinlicher, dass er von einem seiner Proteges und
Mitarbeiter, dem Dichter und Patriarchen Paolino d' Aquilea, komponiert
wurde. Die instrumentelle Version, praesentiert in einer Sammlung
venezianischer Ballmusik aus dem 16. Jh.,ist recht interessant (das
Manuskript von 1520 befindet sich in der nationalen Marciana- Bibliothek). Der
"Kodex Vaticano Rossi 215" ist ein fundamentales Werk zum besseren
Verstandnis des musikalischen Schaffens der venezianischen Ars Nova. Obwohl
es wahrscheinlich ist, dass die darin enthaltenen Kompositionen ihre
Urspruenge im kontinentalen Gebiet Venetos (hauptsachlich Padova und Verona)
haben, konnen wir uns durchaus vorstellen, hier ziernlich eindeutige
Beispiele venezianischer Musik des 14. Jh, vor uns zu haben. Die Traversflote
war unter den Dichter-Musikem dieser Zeit bekannt und sicherlich wegen ihrer
Ausdruckskraft, ihres feinen Klangs und ihres Ausdrucksrepertoires geschatzt.
Die für die drei Stücke aus dern „Vaticano Rossi 215" verwendete Aote
ist eine Tenortraversfloete, die hinsichtlich Grösse und Tonhohe so nahe
wie keine andere an die spaetrnittelalterliche Flöte heranreicht.Die überaus
reiche Sammlung der Accademia Filarmonica von Verona veranschaulicht nicht
nur den im Veneto weit verbreiteten Gebrauch des Instruments, sondem auch die
enorme Vielfalt der verwendeten Grössen. Das Iasst uns vermuten, dass die
Traversflote (traversa, fjffaro) bei instrumentellen Aufführungen eine
wichtige Rolle spielte. Die Aufführungspraxis der Renaissance (wie auch
häufig des Barock) erkannte nicht immer die einzigartige und unveranderbare
Beziehung zwischen musikalischem Stück und vom Komponisten
spezifiziertem Instrument und bediente sich grosszügig der Theorie einer
Aufführung "mit irgendeinem Instrumententyp". Der Venezianer
Silvestro Ganassi dal Fontegara (geb.1492) spielte Aote sowie Viola da Gamba,
schrieb musikalische Abhandlungen und komponierte. Bekannt wurde er vor allem
durch das "Fontegara", das erste Musikbuch der Geschichte, das sich
insbesondere mit der Blockflöte und der Praxis der Diminution beschaftigt.
Dabei wird besonderes Augenmerk auf Variation und Ornamentierung der
Melodielinie gelegt, die in der Aufführungspraxis der Renaissance eine
"harte Nuss" darstellte. Zwischen 1542 und 1543 veroffentlichte
Silvestro in Venedig die Schrift "Regola Rubertina", in der er sich
musikalisch der Viola da Gamba widmet. Aus dieser Abhandlung stammt das
"Ricercare", das auf dieser CD zu horen ist, wobei hier die
Traversflote den Part der Viola überimmt. Giorgio Mainerio(1535-1582),
Kapellmeister der Basilica von Aquileia wie auch Duomo von Udine, veroffentlichte
sein "Erstes Buch der Tanze" 1578 in Venedig. Es ist eine Sammlung
von Tänzen und Motiven, die grossteils mittelalterlichen monodischen
Ursprungs sind und hauptsachlich aus dem Gebiet der adriatischen Alpen
stammen. Es handelt sich hierbei um kurze, volkstümliche Kompositionen, die
sich aus sich heraus behaupten, indem sie durch ein einzelnes, nicht
begleitetes Instrumen vorgetragen werden. Giovanni Bassano (1560-1617)
schliesslich kam aus einer eingeburgerten venezianischen Familie von Musikem
und Holzblasinstrumentenbauem (wahrscheinlich askenasisch-judischen
Ursprungs), die auch in London zur Zeit Henry VIII aktiv waren. Bassano war
sowohl Komponist als auch Zinkvirtuose-und in Anbetracht der damaligen Zeiten
konnen wir uns vorstellen, wie viele Instrumente er darüber hinaus noch
beherrschte. Venedig im 16. Jh. war ein bedeutendes Zentrum judischer Kultur.
Viek Juden suchten nach ihrer Vertreibung aus Spanien um 1492 in Venedig
Zuflucht und erweiterten das musikalischE Spektrum der Stadt um Güter sephardischer
Musikkultur, die arabische, spanische und mediterrane Enflusse in sich
verein. te. So wurde das "Zamiroth Israer in Wirklichkeit 1599 in
Venedig von Mose Israel Madjara veröffentlicht. Das 18. Jh., Venedig und die
Musik sind so fraglos miteinander verbunden, dass es eigentlich uberflussig
ist, dies noch zu erwahnen. Auch an der Tatsache, dass die Musik es
fertigbrachte einer der Stützpfeiler zu sein, um den sich das Leben in der
Stadt zu einer Zeit okonomischen Verfalls und kulturellen Glanzes drehte, ist
nicht zu rütteln. Mit Oprnhäusrn un Ospedali, offentlichen Festivitaten und
privaten Universitaten. kirchlichen und weltlichen Kompositionen, Kultur und
breiter Masse, Melodramen, Oratorien, Konzerten, Kantaten, Sonaten,
musikalischen Festivals und den Gesangen der Schiffer war die Serenissima
eine wahre Goldmine an Möglichkeiten für Musiker und Komponisten,
gleichgültig, ob Profi oder Amateur. Unter den Letzteren ist der Adelige
Benedetto Marcello zweifellos der berühmteste. Stolz distanzierte er sich vom
Stand eines Musikers, der als gewohnlich angesehen wurde.Er verachtete die
Opemhauser und ihre schlechten Sitten und widmete sich lieber seinen
theoretischen Studien und Harrnonie-Experimenten. 1712liess Marcello seine
„XII Sonaten fijr Soloflöte" in Venedig drucken. Ursprünglich fijr die
Blockflöte gedacht, erlangten sie auch durch die Traversflöte derartige
Bekanntheit, dass sich 20 Jahrte spater ein Englander namens Walsh dazu
aufgefordert fühlte, diese Stück,in einer neuen Version nur fijr die Traversflote
herauszubringen, nachdem er sie in geeignetere Tonarter transponiert hatte.
Natürlich wurde die so genannte "Germanan Flute" im Paris Ende des
17. Jh. aus einer Modifikation der Traverse geboren und kam von dort nach
London, wo sie zum sine qua non jedes Adeliger,wurde und die Blockflüte
ersetzte. Doch auch in Venedig bahnte sie sich den Weg in die musikalische
Praxis. Es lasst sich mit Bestimmtheit sagen, dass dieses Instrument von
Waisenkindem der Pieta-Kirche gespielt wurde. Doch unbe streitbar wirkten in
Venedig auch berühmte Virtuosen der Traversflüte. Man muss nur an die Arie
mit „Flauto obbligato" denken, die Antonio Vivaldi für sein
"Orlando" schrieb, wobei er einen Part für Traversflote
integrierte, der sicher nur vor einem Meister des Instruments gespielt werden
konnte. Die Sonate für Soloflöte ohne Bass war im Europa des 18. Jh. ein
ziemlich gewohnliches Genre (Hotteterre, Telemann Quantz, die Bachfamilie
etc.), und sogar Tartini führte Sonaten ohne Bass auf. In diesem Umfeld
finden wir auch Pietro Grattoni d'Arcano (1698-1760),einem weiteren
Adeliger und Amateurflötisten, der als Botschafter zwischen London,
Versailles und Venedig fungierte. Seine „Sonate für Soloflöte ohne Bass"
beschlisst er mit einer charakteristischen Furlana, einem venezianischem
Tanz, der aus dem Friaul stammt. Auf der CD kommt die kleine Flöte (Piccolo
oder Ottavino) bei diesem Stück zum Einstatz, die schon in Paris der ersten
Hälfte des 18. Jh. Gespielt wurde. Die zwei Sammlingen venezianischer Lieder
und Tänze, derem Manuskripte in der Querini-Stampalia in Venedig und in der
Joppi in Udine aufbewahrt werden, stammen beide aus der ertsen Linie für
Blockflöte geschriben, auch wenn die Foundation sowohl eine Traverse aus den
18.Jh. besitz. Die Sammlung aus Udine hingegen zeichnet sich häufig durch ein
Gefälle zum D unterhalb der ersten Notenlinie aus, eine Note, die
Contralto-Blockflote nicht zueigen ist, die aber die Traversflöte spielen
kann. Ebenso sind einige Stücke in einer Tonart mit Kreuzzeichen geschrieben,
die dem Spiel der Traversflöte mehr entspricht als dem der Blockflöte. Aus
diesem qrund scheint hier der Cìebrauch einer "German Flute"
plausibler. Dank der vielen Reisen venezianischer Komponisten an
ausländische Königshöfe und der grenzenlosen Ausdauer der venezianischen
Musikverleger verbreitete sich die venezianische Musik des 18. Jh. in ganz
Europa wie em Lauffeuer. Sert Beginn des Jahrhunderts begrüste Paris
enthusiastisch Kompositionen die aus Venedig kamen, und wahrend Hotteterre
stoisch Tomaso Albinonis Werke für die Traversflöte transponierte, wurden
andere Rotenkomponisten wie Blavet oder Boisrnortier stark von den
fantastischen italienischen Cantabile beeinflusst. Das ging sogar so weit,
dass sich diese Elernente mehr und mehr mit dern französischen Stil mischten,
der sich durch Eleganz, reiche Ornamentik und extrem exakte Ausfiihrung bis
ins kleinste Detail auszeichnete. Jean-Jacques Rousseau, Philosoph,
Schriftsteller, Komponist und Rotist, war eine der grossen Persönlichkeiten
der Autkürung im 18.Jh. Als Sekretdr des französischen Gesandten lebte er von
1744 bis 1745 in Venedig. Dort weitete er sein Studium der
venezianischen Musik, ihres Opemrepertoires, ihrer Instrumentalmusik sowie
der volkstümlichen Musik aus. Gleichzeitig begann er sich mit
Musiktranskriptionen zu befassen, woraus ein Sammelband entstand, der
nach seinern Tod unter dem Titel "Der Trost für das Elend meines
Lebens" veroffentlicht wurde. Unter jenen Kompositionen befindet sich
auch das Konzert "Der Friihling von Vivaldi", eines der
berühmtesten Stücke allrI Zeiten, das für die Traversflöte ohne Bass in D-Dur
umgeschrieben ist und somit eine Stufe unter dem Original erklingt. Mit
dieser wenig bekannten Bearbeitung eines so berühmten Stücks beenden wir
unsere Reise durch die venezianische Musik, eine Reise, die es uns-indern wir
den Spuren eines Musikinstruments folgten-erlaubte, die tausendjährige
Musikgeschichte einer Stadt zu erzahlen, die einzigartig in der Welt ist. (Übersetzung Anna-Dominique Ruschill)
Carl Philipp Emanuel Bach: un grande talento tra Barocco e
Classicismo
“…un
musicista commuove gli altri soltanto se egli stesso è commosso: è
indispensabile che provi tutti gli stati d’animo che vuole suscitare nei suoi
ascoltatori, perché in tal modo farà loro comprendere i suoi sentimenti e li
farà partecipare alle sue emozioni. Nei punti languidi e tristi diventerà
languido e triste; ciò si dovrà udire e vedere. Anche eseguendo frasi vivaci
e gioiose, ecc……l’esecutore deve mettersi nello stato d’animo appropriato.
Alla calma seguirà l’eccitazione e viceversa con varietà continua
d’espressione, deve essere certo di provare le stesse emozioni che l’autore
provava nel comporre soprattutto nei pezzi molto espressivi…dalla ricchezza
d’emozioni che la musica può suscitare si capisce quali doti particolari
debba possedere un buon virtuoso e con quanto giudizio egli debba usarle per
tener conto simultaneamente dei suoi ascoltatori, della loro opinione, della
vera essenza dell’interpretazione, del luogo e di altre circostanze ancora…”(C.Ph.E.Bach: Versuch
über die wahre Art das Clavier zu spielen, Berlin 1753-62) Per secoli gravitanti nel centro-nord
della Germania, i Bach ebbero senza dubbio in Johann Sebastian il più
illustre esponente. Fin dal ‘500 Hans e Veit, e nel ‘600 Georg Christoph,
Johann Christoph e Johann Michael contribuirono decisamente alla vita
musicale tedesca, ma ancor più importanti furono i numerosi figli di
Sebastian che, forti dell'insegnamento e della protezione della paterna,
vivendo in un'epoca dove forse era più facile d’oggi emergere in campo
musicale, ebbero un ruolo centrale nel mondo della cultura tedesca ed europea
del XVIII secolo. Johann Sebastian ebbe 20 figli (11 morirono in tenera età),
sette dalla prima moglie e seconda cugina Maria Barbara Bachin. Di questi
furono il figlio maggiore ed il secondogenito, ovvero Wilhelm Friedemann e
Carl Philipp Emanuel, a riuscire nella carriera di musicista. Dalla seconda moglie,
Anna Magdalena Wilke, Sebastian ebbe invece 13 figli, i musicisti furono
Johann Christoph Friedrich e Johann Christian (l’unico “viaggiatore” della
famiglia: Milano, Napoli, Londra…). Carl Philipp Emanuel, "Il Bach di
Amburgo" o "Il Berlinese", nacque a Weimar in Turingia l’8
Marzo 1714. Inizialmente fu allievo del padre, poi studiò alla Thomasschüle e
all’Università di Lipsia, in seguito si trasferì a Francoforte sull’Oder ove
completò il corso di giurisprudenza presso all’Università, tenendo già concerti
e Accademie come cembalista e compositore. Terminati nel 1738 gli studi
accademici., dal 1740 al 1767 a Berlino fu clavicembalista del Re “flautista”
Federico II. Nella raffinata corte prussiana conobbe i più famosi virtuosi e
compositori tedeschi (Marpurg,
Kirnberger, Quantz, Benda, Graun e altri) e molti degli intellettuali europei
del tempo. Immerso in questo background culturale (unito ad una profonda
cultura filosofica, letteraria e religiosa) nacque in lui il desiderio di
stendere un trattato, che gli valse per lungo tempo gran notorietà: “Versuch
über die wahre Art das Clavier zu spielen...“ (Berlin 1753-62). Nel 1767
Emanuel vinse un concorso diventando dall’anno successivo “Kantor” d’Amburgo,
vale a dire direttore dell’attività musicale delle chiese, incarico coperto
precedentemente da Georg Philipp Telemann (amico di famiglia nonché suo
padrino di battesimo). Sposatosi nel 1744 con Johanna Maria Dannemann, ebbe
tre figli: Johann August (giurista), Anna Carolina Philippina e Johann
Sebastian, quest’ultimo promettente pittore morì appena trentenne a Roma.
Emanuel chiuse la sua esistenza il 14 Dicembre 1788. Musicalmente Carl
Philipp Emanuel assimilò e sviluppò presto le posizioni stilistiche del tardo
barocco, cercando un linguaggio del tutto nuovo, dirigendosi verso uno
spiccato senso drammatico ricco contrasti dinamico-armonici, il tutto
nobilitato da una gran chiarezza ed espressività delle linee melodiche
(d’ovvia ispirazione italiana). By-passando dunque i vincoli degli “Antichi”,
ma tenendo anche le giuste distanze dalle leggerezze dello "stile
galante", Carl Philipp Emanuel Bach divenne uno dei piu' tipici
esponenti di quello “Empfindsamer stil” (stile sentimentale) che
caratterizzo’ nella seconda metà del secolo le scuole strumentali del Nord
della Germania. Avvicinandosi certo piu' di quanto non avesse fatto il padre
ai nuovi ideali estetici e musicali dell'epoca, ritenuto un eccezionale
clavicembalista e un grandissimo improvvisatore, Carl Philipp Emanuel ebbe
una brillante carriera e la sua opera fu studiata e apprezzata perfino da
Haydn, Mozart e Beethoven. Fu proprio lui a gettare le basi strutturali di
quello svolgimento dialettico bitematico della Forma Sonata (“Sanguineus und Melancholicus”, titolo proprio di una
sua triosonata), che sarà poi fondamentale per tutta la musica della scuola
classica viennese. Come il padre, fu un prolifico compositore: 2 oratori
scritti ad Amburgo, 20 Passioni, 10 Magnificat, 90 Cantate, 20 Salmi per Coro
a Cappella, 120 Corali, 20 Sinfonie, 60 Concerti per clavicembalo (alcuni
trascritti per flauto o violoncello), 200 Lieder (spirituali e profani).
Ricca la produzione cameristica con 300 Sonate per clavicembalo (o meglio
klavier, ovvero anche clavicordo, fortepiano, organo…), molta musica per
violino, viola da gamba, oboe, clarinetto, fagotto, arpa ecc…l’opera per
flauto comprende, oltre il vasto repertorio orchestrale, un solo senza basso,
una ventina di Sonate (con basso o cembalo concertato), varie Triosonate (con
violino o flauto), 3 Quartetti e decine di pezzi vari. (2002) * si ringrazia
/ thanks to: Cecilia
Gargano, Riccardo Domenichini, Antonio Baratti, Renato della Torre, Pier
Francesco Tosi, Klemen Ramovs, Rafael Espinosa, Anna-Dominique Ruschill,
Giovanni Sebastiano Bach, Liesl Odenweller, Giovanni Gioachino Quantz, Jan
Vermeer, Nicolò Vicentino, Maurizio Grattoni d’Arcano, Vera Deotto, Dan
Laurin, Matteo Costa, Parrocchia di San Trovaso Venezia, Federico Maria
Sardelli, Carlo Ipata, Gianni Martino Hotteterre, Dario Luisi e Susanne
Scholz, Parrocchia di San Quirino Udine, don Claudio Como, Ruth van Baak
Griffioen, Alain Weemaels, Fulvio Canevari, Marco Perini, Rudolf Tutz,
Candace Smith, Alejandro Fidalgo, Willelm van Aelst, Andrea Marangon, Ruggero
Prospero, Ivanna Canova, Michel van Goethem, Carlo Filippo Emanuele Bach,
Biblioteca Vaticana, Sergio Azzolini, Bibliotheque Nationale de Paris,
Accademia Filarmonica di Verona, Berkeley University of California,
Parrocchia di San Vito al Tagliamento, Martinus Agricola, Curia di Pordenone,
Fogolars Furlan, Conservatorio di Venezia, Conservatorio e Università di
Padova, Stockholm KMA Bibiotek, Biblioteca Antoniana di Padova, Biblioteca
Nazionale Marciana, Ospedale della Pietà Venezia, Museo Correr Venezia,
Fondazione Levi Venezia, Museo Correr Venezia, Fondazione Basilica di San
Marco Venezia, Conservatorio di Trieste, Biblioteca Civica di Udine,
Fondazione Querini Stampalia Venezia, Curia di Venezia, Musei e Biblioteche
di Firenze, Roma, Mantova, Milano, Napoli, Bologna, Norimberga, Vienna,
Parigi, Madrid, Monaco, Strasburgo, Londra, Oxford, New York, Budapest, Kiev,
San Pietroburgo e molti altri… |